Das erste Fischgedicht hat Arezu Weitholz im Urlaub über eine Forelle mit Delle geschrieben, um ihre Mutter zum Lachen zu bringen. Wahrscheinlich mit Erfolg. Weitholz begann also, jeden Freitag ein Fischgedicht zu schreiben und per E-Mail an ihre Freunde zu verschicken. Die Gedichte waren so beliebt, dass Weitholz sie Anfang dieses Jahres veröffentlichte (Mein lieber Fisch, weissbooks 2010). Das Buch ist mittlerweile vergriffen und soll bald in zweiter Auflage erscheinen. Pünktlich zum Weihnachtsfest legt Weitholz nun mit Merry Fishmas 44 neue Fischgedichte vor. Dazu gibt es Zeichnungen der Autorin. Der schmale Band ähnelt dem Fisch-Debüt in Inhalt und Gestaltung – nur dass Merry Fishmas in Gegensatz zum Vorgängerband nun in weihnachtlichem Rot daherkommt.

Der leicht plätschernde Charakter der früheren Gedichte wird in Merry Fishmas bewahrt. Neben Kugelfischschneemännern, Kraken auf Tannenbaumspitzen und Zimtseesternen tummeln sich darin auch weniger festlich betrunkene blaue Karpfen, eigenbrötlerische Zander, nette und beißende Fischschwärme. Hartnäckige Endreime vereinen die sehr menschlichen Fischschicksale, „Fischstäbchen“ genannte Zweizeiler gliedern das Buch und locken aus der Versreserve:

Was machstn du da, Barracuda?
Ich weiß nich. Ich beiß dich

Man kann das albern finden oder gefällig. Es geht diesen Gedichten aber nicht um Extravaganz, sondern – ganz wie am Anfang der Fischgedichte – um Komik. Dass Weitholz’ Mutter über die Forelle mit Delle gelacht haben wird, kann niemand, der Merry Fishmas liest, bezweifeln.

Die blaue Forelle, animiert vom Dortmunder Künstler Alexander Kersting.

Es sind der leichte Ton und eine verschmitzte Melancholie, mit denen Merry Fishmas seine Leser für sich einnimmt. Nichts liegt schwer im Magen, selbst die traurigsten Schicksale müssen sich dem Endreim beugen, wie der „Weihnachtskarpfen“ zeigt:

Wenn junge Menschen
ihre Lust in wildem Tanz versenken
und andre ihren
Geist der Weihnacht im Gebet ermessen
dann treffen sie sich
endlich in den Schatten und sie denken
an ihre Brüder
Die wurden schändlich aufgegessen

Wer schwere Schinken voller Weltgeist lesen oder verschenken will, sollte vielleicht zu einem anderen Buch greifen. Wer aber Heiligabend jemanden zum Lachen bringen will, kann Weitholz‘ Merry Fishmas bedenkenlos unter den Weihnachtsbaum legen. Und vielleicht wird es dort in zwölf Monaten von dem Roman abgelöst, an dem Weitholz gerade schreibt.

Übrigens: Wer bis dahin nicht warten möchte, kann sich an das Album Mensch von Herbert Grönemeyer halten. An dessen Liedtexten hat Arezu Weitholz nämlich mitgeschrieben. Wenn sie die Fische weiter so humorvoll menscheln lässt, ist es nur noch eine Frage der Zeit, bis ihre Leser singen: „Und der Fisch heißt Fisch…“.

Arezu Weitholz: Merry Fishmas. 44 Fischgedichte fürs Fest, weissbooks, Frankfurt am Main 2010, 91 Seiten, 12,90 Euro.

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In Schöner Irrsinn. Die Ahnung von der Unvollkommenheit verbrät Felix Wetzel die Welt und wird dabei nicht zufriedener.

Ein bisschen Hegel, ein bisschen Bibel, und schon lassen sich erstaunliche Parallelen zwischen Wissen und Essen ziehen. So hat es der Philosoph und Theologe Rubem Alves gemacht. Essen und Wissen sind für ihn beides Resultate des Hungers. Dementsprechend sind Ideen Rohkost, die durchdacht, zubereitet und verdaut werden muss. Die Welt ist da, um als Bankett angerichtet und verzehrt zu werden. Der Dichterin und Schriftstellerin kommt in diesem Bild die Rolle der Köchin zu.

Wie Alves macht es auch Felix Wetzel. Er lebt in Berlin und nicht wenige seiner Erzählungen aus Schöner Irrsinn. Die Ahnung der Unvollkommenheit spielen zwischen den Bratwurstständen am Alexanderplatz und einer Küche, die vermutlich nicht weit ab von der M2 liegt, die den Prenzlauer Berg hinaufkriecht. Von dem Leben, das sich vor seinen Augen abspielt, schneidet Felix Wetzel Scheiben für sein literarisches Bankett ab. Über einen Mann, der ihm den runden Lederjackenrücken zuwendet, schreibt er:

„Sein Nacken ist ein halbes Schwein dick. Und ich schneide mit meinen Blicken große Stücke daraus. Sein Kopf blickt in Richtung der Museumsinsel.“

Schöner Irrsinn. Die Ahnung der Unvollkommenheit versammelt achtunddreißig Kurzgeschichten, von denen Wetzel viele bereits auf der Userseite des Lifestyle-Magazins NEON unter dem Pseudonym „hib“ veröffentlicht hat. Diese Geschichten scheinen sich vor allem um Wetzel selbst zu drehen, der wahlweise als Beobachter des Großstadtlebens, als Vater oder in einer Kindheitserinnerung auftritt. Neben Alltagsgeschehnissen, vor Lebensphilosophie strotzenden Aphorismen und surrealen Erzählungen finden sich aber auch persönliche Würdigungen, die Wetzel an Verwandte und Freunde adressiert.

Wetzels Texte verbindet ein melancholischer Beigeschmack. Ihr Autor begegnet der Welt ganz in Alves’ Sinn zugleich als Koch und als Essender. Sichtlich sind es Hunger und Durst nach einem unbekannten Mehr, die Wetzel zum Schreiben motivieren. Gern beschwört er vergangene Momente herauf, nur um in der nächsten Erzählung resigniert über ihr baldiges Verfallsdatum zu sinnieren. In der titelgebenden Episode heißt es:

„Die Tage werden einem eingeschenkt. Wie auf Festen, bei denen es nur eine Biersorte gibt. Nur bis sich der Schaum setzt, ist meist schon Nachmittag. Wer in einem Zug das Glas leert, der fragt sich oft, was es gewesen ist. Und wer zu langsam trinkt, dem wird die Zeit schnell schal. Zurück bleibt ein unerklärter Durst. Ich nenne das die Ahnung von der Unvollkommenheit.“

Felix Wetzel kennt die Rezepte, mit denen die Welt so zubereitet wird, dass sie genießbar und bekömmlich wird. Alves’ Philosophenkoch kocht für seine Gäste, und wie der weiß auch Wetzel nur zu gut, worauf seine Leserinnen und Leser Appetit haben. So heißt es gleich zu Beginn: „Vielleicht haben sie Durst. Dann gebe ich ihnen einen Schluck Wein, der sie gerade noch durstig zurücklässt.“ Bei Wetzel werden „Schnitten mit Leberwurst und Banane“ zum Nachmittagsmahl von Vater und Tochter genauso aufgetischt wie frisches Herz an Plattitüden, gewürzt mit „ein wenig Salz, das aus ihrem Gesicht fällt“:

„Neben mich auf den Sitz lege ich die Plastiktüte mit deinem frischen Herz. Das Messer hat die Folie an einer Stelle von innen mit der Spitze aufgeschlitzt. Ich muss aufpassen, das sich keine Flecken auf den Sitz mit deinem kirschroten Blut mache.“

In den NEON-Userforen ernten Felix Wetzels Texte überwiegend Tränen und Zustimmung. Das Identifikationspotenzial des Texte ist hoch, gerade weil sie sich als authentische Selbstzeugnisse präsentieren: „Felix“, wie ihn manche vertraut nennen, „schafft den Seiltanz zwischen der Einladung zu einem Rundgang durch sein Leben und der Illusion, es wären lesereigene Emotionen, die da aus den Seiten fallen.“ Es gibt aber auch Widerspruch. Manchen ist Wetzel zu intim oder zu aufdringlich, andere fordern: „Jetzt hört mal auf zu flennen hier.“ Ein hartnäckiger Kritiker knüpft an die Durstmetapher an, er findet Wetzels Geschichten „so abgestanden wie ein Bier auf einer Abiparty nachts um zwei. Manche mögen denken: ,Geil, ein Bier, hier gibt’s sonst nur Wasser’, aber mir fehlt dem Bier die Kohlensäure, die Eier, das Persönliche.“ Wetzels Antwort bleibt im Bild, wenn er darauf antwortet, seine Eier seien „dick und fett von Überzeugung und Leidenschaft.“ Er, der sich noch daran erinnert wie Tante Edeltraud „morgens die Frühstückseier mit einem Tauchsieder gemacht hat und ich staunend daneben gestanden und sie bewundert habe“, möchte „aus der Authentizität keinen Hehl machen und ohne künstliche Barriere zwischen Wahrheit und Fiktion“ schreiben.

In Alves’ Philosophie entstehen Hunger und Begehren aus der fiktiven Vorstellung einer besseren Welt. Damit verglichen kann die Realität nur unbefriedigend sein, und das ist die dominierende Grundstimmung in Wetzels kurzen Geschichten. Da heißt es beispielsweise:

„Heute fuhr eine Frau im Supermarkt einen flotten Reifen. Sie umkurvte die Gefriertruhen und redete sich den Gummi von den Zähnen. Wen sie erwischte, mit dem ging sie drei, vier Runden um die Truhen und erklärte, wie ungerecht die Welt sei. Dass sie gern viel Wurst essen würde. Aber alles für Brei draufgeht.“

Felix Wetzel ist ein wenig wie diese Frau, die er beobachtet. Die Ahnung von der Unvollkommenheit, die Wetzel herumtreibt, speist sich aus dem Ungleichgewicht zwischen Schlaraffenland und den Bratwurstmännern auf dem Alexanderplatz. Es wird irgendwann langweilig, wenn Wetzel immer wieder mit aufklärerischer Geste erklärt, dass es das Schlaraffenland nicht gibt. Der Bratwurstmann am Alex kann noch am wenigsten dafür, und es macht die Welt nicht besser, wenn man ihn zusammenschlägt. Schöner ist der Irrsinn vielmehr dort, wo er unbefangen in glücklichen Erinnerungen schwelgt oder sich ganz jenseits von prosaischen Lebensphilosophien bewegt. Leider zu selten zerschneidet Wetzel die Verbindung zwischen Ideal und Wirklichkeit. Tut er es doch, verwandelt sich die Welt in eine bunte Götterspeise, plötzlich kriechen aus Flaschen kleine vertrocknete Seejungfrauen und Männern, die an Fleischtheken Atembeschwerden haben, wachsen Kiemen und Flossen.

Felix Wetzel: Schöner Irrsinn. Die Ahnung von der Unvollkommenheit, Worthandel Verlag, Dresden 2010, 170 Seiten, 14,90 Euro.

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Der Erdmöbel-Sänger Markus Berges debütiert als Roman-Autor

Ein Gastbeitrag von Philipp Weber

Dieser Tage überall gelobt wird die Band Erdmöbel aus Köln, die in diesem Jahr Bandjubiläum feiern, ein neues Album herausbringen und obendrein noch ein stattliches Buch veröffentlichen. Genauer: Markus Berges, der Sänger der Band, hat kürzlich sein erstes literarisches Werk veröffentlicht. Ein langer Brief an September Nowak heißt sein Roman und ist eine Coming-of-Age-Geschichte um die neunzehnjährige Betti, die sich eines Tages aus ihrer westfälischen Einödenheimat aufmacht, um ihre exotische Brieffreundin im fernen Monaco zu besuchen. Dort entpuppt sich die mit allerlei Adoleszenz-Träumen aufgeladene Freundin (die titelgebende September Nowak) als übergewichtige Hochstaplerin aus einfachen Verhältnissen, die sich in den Briefen eine eigene Wunschexistenz zusammen gezimmert hat – nichts von den romantischen Schilderungen der Briefe entspricht der Realität. Betti reagiert verständlicherweise ungehalten und will die Schwindlerin nachts im Hochbett zur Rede stellen:

„September“, fragte sie.
Die Fette bewegte sich, ihr Laken rauschte. Sie atmete lauter, antwortete aber nicht.
„September?“
„Ja.“
Wieso sie sie September nannte und was sie fragen wollte, wusste Betti auf einmal nicht mehr. Sollte die Fette ihr etwa sagen, warum sie sie betrogen hatte? Hundertfünfzig Kilo Antwort schnauften über ihr. Die Fette schwieg. Betti hatte schon wieder in ihren Gedanken wie in schlechten Träumen gelegen, da begann sie. „Du bist naiv. Dass du wirklich kämest, habe ich nicht gedacht. Ich bin nur so zum Bahnhof gegangen. Als ich dich da sitzen sah, tatest du mir leid. Ich hatte schon so ein Gefühl, dass du es auf die Spitze treibst“.

So hat man nun auch noch Mitleid mit Betti und das ist ihr dann endgültig zuviel: Sie nimmt erneut Reißaus, startet einen Roadtrip durchs südliche Frankreich und trifft unterwegs neue Gestalten, denen sie sich nun selbst als September Nowak präsentiert. Abermals wird die verheißungsvolle Existenz einem ganz durchschnittlichen Mädchen übergestülpt und mit allerlei wunderbaren Geschichten nachkoloriert.

Das Markenzeichen des Sängers Markus Berges ist die bewusste Eigentümlichkeit – und dadurch zeichnet sich auch sein Erzählstil aus. Er transportiert Worte in den Pop, die dort vermeintlich nix zu suchen haben („Nordrheinwestfalen“ hier als ein passendes Beispiel unter vielen) und schert sich wenig, ob das in manchen Ohren peinlich klingt: Ein sympathisches Achselzucken gegenüber aller angestrengten Hipness – dem eigenen Leben wird der Spiegel vorgehalten und nicht seinen etwaigen Posen. Natürlich bleiben diese Posen die unumgängliche Projektionsfläche allen kleinstädtischen Pops – und so wird auch September Nowak zur Projektionsfläche provinzieller Sehnsüchte. Das geht in beiden Fällen nur schief zusammen, aber manchmal kommen dabei verschrobene Pointen zustande, die sehr nah am Leben und zugleich an schwelgender Poesie sind. In Berges’ Roman klingt das an guten Stellen dann etwa so:

Die Sicht war gut, bis zum Yachthafen. Aber vergeblich hielt Betti Ausschau nach dem Stade Nautique. Auf den Wendeltreppen, die sie hinabstieg, begann sie zu zweifeln, fing an auch Septembers Stadionbad für eine Erfindung zu halten. Betti kannte es besser als das Emsbad, das verfickte Emsbad in Warendorf, und sie schrie ihre viel zu kleine Stimme in die Schlucht, bis sie wehtat.

Trotz mancher hinreißender Passage bleibt Berges Sprache jedoch häufig mutlos – das bewusst Unangestrengte seiner Haltung produziert dann ungewollt Langeweile. So wird ein Großteil der Handlung nur munter heruntergeplaudert und daneben noch mit arg überstrapazierten Metaphern drapiert („Die Häuser waren hoch an den steilen Hängen, die Straßen eng, und Betti lief eingekesselt wie ein Meerschweinchen“). Zeichnet sich der Roman durch einen melancholischen, aufs Detail gehenden Alltagston aus, kippt diese Authentizität zu schnell ins Biedermeierliche – da wird dann aus heimlicher Anklage unweigerlich gähnende Affirmation. Dabei gelingt Berges an anderen Stellen es sehr gekonnt, jene „lächerlichen Tränen“ der enttäuschten Betti mit großer Darstellungskunst in seiner Erzählung aufzufangen – die „lächerlichen Tränen“ jugendlicher Kleinstadtsorgen, die dem üblichen gesellschaftlichen Panorama zu bedeutungslos scheinen.

Markus Berges: Ein langer Brief an September Nowak, Rowohlt Berlin 2010, 208 S., 18,95 €.

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Inger-Maria Mahlkes Debütroman “Silberfischchen”

Als Inger-Maria Mahlke mit einem Kapitel aus ihrem Roman “Silberfischchen” den open mike 2009 gewann, da mäkelten wir, allen voran ich, an ihrem Text etwas gelangweilt herum. Die Pressereferentin des Aufbau Verlags, in dem der Roman am 10. Juli 2010 erschien, nimmt das sportlich. Noch vor dem offiziellen Auslieferungstermin schickt sie uns das Buch mit einer wirklich netten Karte in die Redaktion. Und ich habe “Silberfischchen” noch am gleichen Abend gelesen. Ganz. Wegen des Einstiegs.

Eine lange Reihe abgasgeschwärzter Häuser, die sich in Pfützen spiegelten, trocknete an der Wäscheleine in der Küche, er stieß sie im Vorbeigehen an. Es schneite, die Autos krochen, die weißen Hauben auf den Mülltonnen waren noch unberührt. Den Tee hatte er bereits in die Thermoskanne gefüllt, ein Streufahrzeug bog um die Ecke. Der bleibt nicht liegen, dachte der alte Mann, prüfte nochmals, ob er den Verschluss fest genug zugedreht hatte, es wird wieder regnen, und die Bürgersteige werden knirschen vom Streusand.

Der alte Mann, dem man ins Hirn hört und beim Hantieren zusieht, ist der Berliner Rentner Hermann Mildt. Sein Leben ist in Routine erstarrt. Jeden Tag geht er fotografieren, die Motive sind ihm egal. Die Fotos entwickelt er selbst, hängt sie zum Trocknen in der Küche auf. Mit den immer gleichen Handgriffen bereitet er seine Verpflegung für die Ausflüge vor: Eine Thermoskanne Tee. “Die Brote, zwei Mett, zwei Schmelzkäse, hatte er in Wachspapier verpackt, sie gehörten in die Lücke zwischen Kanne und Taschenwand.”

Diese Routine (zer)stört Jana Potulski. Sie wird, wie Hermann, ohne Fahrkarte im Zug von Berlin nach Frankfurt/Oder erwischt. Die 50-jährige Polin, ohne Unterkunft, die Papiere geklaut, quartiert sich ungebeten und völlig selbstverständlich bei dem ehemaligen Polizeibeamten ein. “‘Haben Sie jemand? Sorgt jemand für Sie? Macht sauber, essen, einkaufen, Pflanzen gießen, redet mit Ihnen?’ ‘Nein’, antwortete er und ‘ich habe keine Pflanzen.’ ‘Gut’, sie nickte zufrieden, ‘so machen wir das.’” Für Hermann natürlich eine Zumutung. “‘Frau Potulski’, er presste die Lippen aufeinander, seine Mundwinkel zitterten, ‘Frau Potulski.’”

Nüchtern und zugleich mit feiner, sich nie von den Figuren distanzierender Ironie beschreibt Mahlke die Provokationen und Perversionen, die von Anfang an die dysfunktionale WG-Beziehung prägen. Hermann durchsucht Janas Habseligkeiten und zieht die Grenzen seiner Toleranz eng und enger: “‘Es ist Ihnen verboten, die Schuber zu öffnen, Frau Potulski’”. Einmal durchblättert er vor ihren Augen einen Bildband, den er zum reduzierten Preis gekauft und bislang nicht angesehen hat. “Pommern – die unvergessene Heimat in 216 historischen Großfotografien”. Und als sie sich während eines Ausflugs zum Berliner Alexanderplatz selbständig macht und davonläuft, statt den Schnee von seiner Kameralinse fern zu halten, brüllt er ihr hinterher: “Parasit”, “polnische Geschmeißfliege”.

Säuerlich riecht es nach Schweiß in “Silberfischchen”. Frau Potulskis Brüste, die Hermann abends im Bad manchmal anfassen darf, sind “zwei riesige Schläuche, blau geädert”. Ein mit dem Jackenärmel weggewischter Schleimtropfen glänzt silbrig, auf der Teetasse schillert regenbogenfarben der Kalk. Der Detailreichtum saugt den Leser tief hinein in die muffige, enge, verwahrloste Welt von Hermann Mildt. Scharf konturiert ist sie durch die exakte Sprache, wie herangezoomt das paranoide Denken von Mahlkes Protagonisten. Irgendwann glaubt Hermann, dass Frau Potulski ihn vergiften wolle und sucht nach Beweisen für seine Vermutung. Verben wie spähen, mustern, hochschrecken oder zucken verwandeln noch die nebensächlichste Alltagstätigkeit in einen kriminalistisch bedeutsamen Vorgang. Hermann leidet offensichtlich unter einer ins Zwanghafte gesteigerten déformation professionelle. Früh pensioniert wurde der ehemalige Kriminaler, weil er den Schlaganfalltod seiner Gattin nicht meldete. Er ließ ihre Leiche im Garten liegen, um ihren Verwesungsprozess fotografieren zu können. Als Jana die Bilder findet, verdächtigt sie ihn entsetzt des Mordes. Der Schuldige ist Hermann selbst.

Inga-Maria Mahlke konstruiert das Unheimliche an den Rändern einer durchschnittlichen Rentnerexistenz mit abgründiger Sachlichkeit. (Hier darf natürlich der Hinweis nicht fehlen, dass die Autorin studierte Juristin ist und am Lehrstuhl für Kriminologie der Freien Universität Berlin an Projekten etwa zum Beschwerdemanagement der Polizei mitgearbeitet hat.) Bedrückend genau, ist die Sprache staubgrau klebriges Mimikry – die präzise Zeichnung einer sich entwickelnden Paranoia. Wenn man dem Buch etwas vorwerfen kann, dann vielleicht, dass der Text mitunter ein wenig zu sehr wie ein Uhrwerk abschnurrt und irgendwann allzu selbstähnlich wird. Mahlke steuert in “Silberfischchen” zudem zwei dramaturgisch recht ähnlich gebaute Höhepunkte an, in denen Hermanns Zwangsvorstellungen (lebens)bedrohlich werden. Aber die wenigen Sätze zu Beginn des Romans haben eine immense Schubkraft, die durch die gesamten 200 Seiten wirkt. Wie schon nach dem open mike lautet das Fazit: gut gemacht. Aber ganz und gar nicht langweilig.

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Dorothee Elmigers erstes Buch schildert eine Welt nach dem Ende der Arbeit und die Suche nach einem Fluss, den es nie gab.

Die Kohleminen brennen. Unterirdisch, so dass der Schwefeldampf an Stellen aus der Erde hervorbricht. Von diesem Phänomen hatte ich letztens tatsächlich in der Zeitung gelesen. Es war irgendwo in den USA. Ganze Kleinstädte mussten dort wegen der giftigen Gase umgesiedelt werden.

In Dorothee Elmigers “Roman” wird die Welt bevölkert von “der Jugend”. “Die Jugend”, das sind zwei Schwestern, Margarethe und Fritzi. Behütet und festgehalten von ihrem Vater, dem örtliche Sheriff. Unter ihnen brennt die Erde; mit der Ausbeutung der Bodenschätze ist es vorbei, an Arbeit nicht mehr zu denken. Soweit ein bekanntes Szenario: Zwei Adoleszente sitzen perspektivlos in einer verlassenen Kleinstadt fest. Wie schreibt Elmiger nun darüber? Die Ich-Erzählerin beginnt lakonisch, man könnte auch sagen: flapsig:

Meinerseits war ich oft allein mit Büchern. Mir war nichts anzusehen.

Kurze Absätze, Sätze, die halb aus dem Kontext gerissen sind, mittendrin anfangen, und dann unmittelbar enden. Etwas hochnäsig kommt das rüber. Lakonie, Ironie, die man mutig finden kann, die einem gefallen muss, die man der Autorin aber auch abkauft, weil sie nicht aufgesetzt wirkt.

“Waghalsig” ist daran bei Lichte betrachtet nichts. Schließlich ist auch das wieder nur so ein Griff zu einem ausgefallenen Wort, poetische Hochstapelei, wie sie im Buch zum Prinzip erhoben wird. Um ein Beispiel zu geben: Da ist davon die Rede, ab wann die Kohle des Reviers “eifrig […] abgebaut” worden sei, und dass “in den Sechzigerjahren […] die Schächte aufgrund des Feuers geschlossen” wurden. Die Erzählerin merkt daraufhin naseweis an:

Aha aha ah.

Das ist frech, nervig, aber gut. Formulierungen und Bedeutungen werden hier offenbar ausprobiert. Auch Fragen werden mal probehalber gestellt, Zitate eingebaut und dann so stehen gelassen — wenn sie gut klingen.

In der Mitte des Sommers stand ich auf und trat nach draußen.

Aha aha ah. Unmittelbar darauf heißt es geheimnisumwoben:

Man hatte uns den Beruf der Mutter nie genannt.

Was wenige Seiten später in einem Lamento wiederholt und variiert wird, diesmal im Plural: “Man hat uns die Berufe unserer Mütter nicht genannt.” Der Leser möchte nun einstimmen: “Ja, man hat uns die Berufe unserer Mütter nie genannt!” Immer wieder also dominiert die poetische Form den Inhalt. Um es mal frei mit Elmiger sowie dem beigegebenen Klappentext-Zitat von Peter Weber  zu formulieren:

Dorothee Elmiger wagt angeblich, so der Klappentext, “das größte Abenteuer”, nämlich “jenes der poetischen Weltverwandlung”, so der Klappentext, “ein Wunderwerk der Intonation”, so der Klappentext. (Vgl. S. 60 und den Klappentext)

Elmigers Buch enthält pseudodokumentarische Interview-Sequenzen, in denen z.B. ein Arbeiter schildert, was er so gemacht hat (“Ich sass über dem Trichter und habe hinabgestarrt, den Kohlen nachgeblickt, acht Stunden am Tag, im Stauungsfall habe ich das Förderband gestoppt.”), Sätze werden unterstrichen (und so dann auch vor den Augen des Lesers ein Text zusammengesetzt), es wird kartografiert (oder so getan) und geraunt von einem sagenumwobenen Fluss namens Buenaventura, von dem man wirklich einmal glaubte, dass er existierte, und gewichtig wird von “Erkundungen” gesprochen, die eingeholt würden. Aber tatsächlich entpuppt sich ein Großteil dieser Unternehmungen als ein Witz:

Ich suchte auf den Landkarten Italiens, die ich in der Wohnung fand, nach einem Fluss Bonaventura [sic].

Es passiert nicht viel in der Einladung an die Waghalsigen. Und genau das ist es wohl, worum es geht. “Die Jugend” tobt herum in einer Welt ohne Arbeit, die unbewohnbar geworden ist. Überall giftige Gase. “Handeln”, wie es die Eltern noch taten, scheint aussichtslos und weitaus surrealer als die Suche nach einem imaginären Fluss. Anstelle dessen wird improvisiert, auch mal recherchiert, werden Listen angelegt, werden Dinge aufgezählt, wird vermeintlich Bedeutungsvolles zusammengetragen. Auch mal probehalber ein bißchen politisiert (“hätte ich ein Kind, ich riefe es Ohnesorg”).

Das Besondere an Elmigers Einladung ist — man ahnt es schon — weniger der Inhalt, sondern das Experimentelle, die Form, die selbst schon die Suche, die Ratlosigkeit und die Notwendigkeit des Improvisierens deutlich macht. Das hebt das Buch von den vielen mehr oder minder autobiografischen Aufarbeitungen von mehr oder minder traumatischen Provinzjugenden ab, wie sie an Literaturinstituten so häufig entstehen. Natürlich kann man hinter dem Text Elmigers Kindheit im schweizerischen Kanton Appenzell Innerrhoden vermuten. Aber bitte, bitte, man sollte es nicht. Dafür sind die Metaphern zu durchsichtig, die Titulierung der Schwestern als “die Jugend” zu ironisch und überhaupt alles zu offen, variierbar und verspielt.

Man sollte auch bitte in dieses “waghalsige” Experimentieren nicht zuviel hineininterpretieren. Z.B. nicht gleich wieder von “Postmoderne” sprechen, nur weil das Spielerische den Text strukturiert, und auch nicht auf vermeintlich komplexe Intertextuellen Bezüge hereinfallen und dahinter Politisches oder die Selbstvergewisserung einer neuen Generation vermuten, nur weil die Autorin, wie ihre Ich-Erzählerin, in ein paar Büchern geblättert und sich hier und da eine Anregung geholt hat. Denn was Elmiger gerade gelingt, ist ihre Montagen unprätentiös und wie selbstverständlich wirken zu lassen, und eben nicht kunsthandwerklich oder artifiziell. Aha aha ah.

Über Dorothee Elmiger ist ferner bekannt, dass sie in an diversen Literaturinstituten studierte, dass sie jetzt in Berlin lebt und kürzlich nicht nur in Klagenfurt gelesen hat, sondern von dort auch den mit 10.000 Euro dotierten Kelag-Preis mitnehmen durfte.

Dorothee Elmiger: Einladung an die Waghalsigen, DuMont, Köln 2010, 144 Seiten, 16,95 €

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Peter Szondi-Vortrag 2010 – Christoph Ransmayr schultert in „Atlas eines ängstlichen Mannes“ die Welt

Die Welt ist für Christoph Ransmayr eine unendliche Anhäufung von Geschichten. Zwischen (Ant)Arktis und Äquator findet der österreichische Autor den Stoff für seine Prosaminiaturen, die er im “Atlas eines ängstlichen Mannes” gesammelt hat. “Bilder der Welt” nennt Ransmayr die Episoden, deren Reihenfolge immer neu zusammengeschüttelt werden kann. Mit einer Lesung aus dem noch unveröffentlichten Manuskript bestritt der 56-Jährige den Peter Szondi-Vortrag 2010 an der Freien Universität Berlin.

Jede der Geschichten im Atlas beginnt mit der Formel “Ich sah…”, die den radikal subjektiven Blick des Erzählenden markiert. Einen einsamen Golfer am Nordpol stellt Ransmayr den Zuhörern in eineinhalb Stunden ebenso vor wie eine US-amerikanische Christensekte, die in New Mexico jeden Karfreitag eines ihrer Mitglieder kreuzigt – falls es den Cops nicht gelingt, sie davon abzuhalten. Ransmayrs Reisen führen ihn an die Flüsse Indiens, zur Buckelwal-Beobachtung siebzig Seemeilen vor die Dominikanische Republik, zum Stierkampf nach Sevilla.

Unzählige Episoden, beobachtend herausgetrennt aus dem Gewebe der Welt. Der Blick des Erzählenden schweift ab. Authentisch und unmittelbar wirkt dadurch das Geschilderte. Verfolgt der Erzähler in Indien anfangs noch den Kampf zweier Hunde, wird er einen Moment später vom Anglerglück eines kleinen Mädchens abgelenkt. Als er sich wieder den Tieren zuwenden will, sind sie verschwunden. Die Fülle des Geschehens überfordert, der allmächtige Erzähler ist Vergangenheit.

Mit einer zweiten, gegenläufigen Textbewegung schafft der Autor einen weiteren Abstand zum unmittelbaren Geschehen: Der als subjektiv inszenierte Blick wird durch Faktenrecherche und Fachtermini objektiviert. Wenn der Erzähler die rituelle indische Totenverbrennung beschreibt – das Aufplatzen der Gedärme, das Absprengen der Gliedmaßen – steigert sich der Text in einen Furor der Details, der das Gesehene im Nachhinein präzisiert und überformt erscheinen lässt. Der Atlas wird so auch zum Lehrbuch.

Neben Beobachtung und Beschreibung tritt im “Atlas eines ängstlichen Mannes” auch die Bewertung. Ransmayr schildert einen Tauchgang nahe der dominikanischen Silver Bank. Die “weißen Wolkenfäuste der Tropen” korrespondieren mit der “schneeigen Gischt”, der Erzähler wird zum epischen Heros, wenn er um sich “fünf schnorchelnde Schwimmer, meine Gefährten” weiß. Statt einer Schlacht hat der Held eine Begegnung mit ‘dem Anderen’ zu bestehen: Neben ihm taucht eine Walkuh zum Luftholen auf.

In den Augen des gigantischen Säugetiers, das dem auf der Wasseroberfläche treibenden Winzling mit einer kaum merklichen Bewegung ausweicht, meint die Autorfigur eine “tiefe Gleichgültigkeit” zu erkennen. Sie vermittelt ihm das “Gefühl, ich müsste mich auflösen”. Demütig erkennt er, dass die Welt auch ohne ihn vollständig ist. Das Subjekt ist verzichtbar. So bricht bei Ransmayr das Zentrum zusammen, von dem das Erzählen ausgeht – und paradoxerweise ist dem Interpretierenden die Welt genau in diesem Moment vollständig verfügbar. Es ist noch immer das Textsubjekt selbst, das seine Verzichtbarkeit behauptet. Eine souveräne Geste der Entmachtung.

Der Erzähler, überforderter Chronist und kosmische Randerscheinung, schultert seine unbewältigbare Aufgabe wie der Titan Atlas das Gewicht der Welt. Vielleicht lädt er sich dabei manches Mal zu viel auf. Wer eine Corrida in Sevilla beschreibt, misst sich mit einem literarischen Vorgänger wie Hemingway. Ransmayr, um die originelle Perspektive auf einen kulturellen Topos bemüht, findet Erwartbares. Er konstruiert auch hier wieder eine Konfrontation zwischen Mensch und Tier, die er effektvoll auf dem Höhepunkt abbricht: Der Stier, “unaufhaltsam”, rennt ein letztes Mal gegen den berittenen Rejoneador an, der die Lanze zum Todesstoß erhoben hält.

Vor das Bild schiebt sich, fast penetrant, immer wieder die Erzählerstimme. Sie imaginiert für den Bullen ein “friedvolles Dasein auf den Weiden seiner Herkunft” und seziert die strenge, tänzerischen Regeln gehorchende Todesarbeit des Torero, bis für die Vorstellungskraft des Zuhörenden kaum mehr Raum ist. Alles ist ausbuchstabiert, die hermeneutische Arbeit wir dem Lesenden abgenommen.

Berührend hingegen ist die Prosaminiatur über den Insassen einer Irrenanstalt in Griechenland, der vielleicht verrückt, vielleicht aber auch ein Opfer der Militärdiktatur ist, das die Junta im Hospital verschwinden ließ. Der Mann schreit, wimmert, lallt in unverständlichen Lauten und verstummt in einem offenbar genau festgelegten Rhythmus, dessen Gestaltungsregeln dem Erzähler verborgen bleiben. Das befremdliche Ritual ist der kleine, komprimierte Rest Leben, den sich der Gefangene bewahrt.

Übersetzt hat sich die Isolierung des Individuums auch in eine körperliche Bewegung: Der Gefangene sitzt in einer kleinen Schatteninsel. Fast automatisch rutscht er dem Schatten nach, der Sonne ausweichend und ihr zugleich gehorchend wie der Zeiger einer Sonnenuhr. Immer näher rückt er so an das Gebäude der Heilanstalt heran, bis sein Schattenfleck mit dem Dunkel um den Bau herum verschmilzt. Entsetzt hebt das verstörte Wesen zu schreien an, schreit unaufhörlich, bis zwei Pfleger es ins Gebäudeinnere schleifen. Der Erzähler kann nur vermuten: Der Gefangene hat den eigenen Schatten verloren, “fühlte sich in Ewigkeit gefangen”. Dem zerscherbten Individuum mag nun “alles für immer”, ausweglos erscheinen.

Hier findet Ransmayr eine Ebene, die das Erlebte zwischen Sehen und Verstehen in der Schwebe hält. Der Verlust der Identität wird in ein eindringliches Bild gebannt, vorsichtig und einfühlsam umkreist. Dieser Mensch ist nicht interpretierbar, seine radikal subjektive Geschichte will sich nicht mitteilen. Die Schilderung ist von staunenswerter Komplexität, hallt lange nach. Abseits der gängigen Reiseziele findet sich das Unerhörte, der unbekannte Text. Davon, so wünscht man sich, soll der ‘ängstliche Mann’ beherzt noch viel, viel mehr auflesen.

Bild: © wuestenfux / PIXELIO

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Eine Anthologie baut Brücken in die jüngere Vergangenheit

Kinder, wie die Zeit vergeht! Neunzehnhundertneunundneunzig: Deutschland wird von Basta!-Kanzler Gerhard Schröder und den Grünen regiert; in den USA legt sich langsam die Aufregung um einen Fleck auf Frau Lewinskys Kleid; die später sogenannten »westlichen Werte« scheren sich einen Dreck um die Taliban, weil die Twin Towers noch stehen und Terrorismus überhaupt allerhöchstens ein tschetschenisch-russisches Problem ist. Musik wird im Geschäft gekauft oder illegal bei Napster runtergeladen, an WLAN und YouTube ist noch nicht zu denken, zu Google gibt es Alternativen. Erinnert sich jemand?

Auch 1999 gründet Krystian Woznicki in Berlin das Mini-Feuilleton »Berliner Gazette« und zeigt dabei einen sicheren Blick für Zukünftiges: Als andere Zeitungen gerade erst anfangen, über eine eigenständige Internetpräsenz nachzudenken, verzichtet die Gazette ganz auf Papier und erscheint ausschließlich im Internet. Woznicki hat im letzten Jahr von der Chefredaktion des Blattes in den Vorstand des dahinterstehenden Vereines (»Berliner Gazette e.V.«) gewechselt. Zum Abschied gab er noch eine Anthologie heraus, die unter dem Titel Vernetzt Beiträge aus zehn Jahren Gazettengeschichte versammelt. Die Texte sind kurze Ich-Erzählungen, Antworten auf eine meist per E-Mail gestellte Frage (die den Lesern allerdings verborgen bleibt), und so unterschiedlich wie ihre Autoren. Graffitisprühende oder Counterstrikezockende Teenager, deren erstes Ausdrucksmedium offensichtlich nicht die geschriebene Sprache ist, berichten ebenso aus ihrem Lebensalltag wie Schriftsteller oder Professoren, die in der Schrift zu Hause sind. Immer um Aktualität bemüht, tun die einzelnen Beiträge kund von einer Zeit, in der Privatpersonen mit Boris Becker das Internet entdeckten und manchmal jemand vorbeikam, um seine E-Mails zu checken.

Diese Zeugenschaft ist zugleich Stärke und Schwäche des Bandes. Denn was vor zehn Jahren aktuell war, ist es heute nicht notwendig auch noch. Kann sein, dass die meisten Texte lustig sind. Vielleicht sind sie sogar gut. Dann jedenfalls, wenn man sie als Kolumnen in einer Zeitung liest, als flotte Gegenwartskritik (»Kapitalismus!« »Neoliberalismus!« »Egoismus!«) zwischen längeren Artikeln. Wenn aber 45 von ihnen gesammelt in einem Band auftauchen und weniger Momentaufnahmen aus dem Jetzt sind als Relikte einer Zeit, an die wir uns heute ein wenig spöttisch erinnern, wirken sie schnell öde. Doch wird man den Texten damit nicht gerecht. Sicherlich, einige sind fürchterlich schlecht geschrieben. Aber vielleicht ist das gerade Ausdruck der von Frau Hegemann postulierten Echtheit (auch hier entpuppt sich die »Berliner Gazette« in gewisser Weise als visionär). Denn in allen Texten teilt sich ein Autor mit, vernetzt seine Lebenswelt mit denen seiner Leser, erklärt sie ihnen ein bisschen. Wie steht man zu der Heimat, aus der man vor einem Völkermord geflohen ist (Hok Dany), welche Rolle spielt Nationalität für einen Jugendlichen, dessen Vater aus einer französischen Kolonie stammt (Paul Thérésin), oder, ganz banal: Wie sieht ein Philosoph die Welt (Jean-Luc Nancy)? Keine dieser Antworten wird direkt und abstrakt erteilt, vielmehr liegen sie unter den Texten und zeigen sich darin, wenn es um Kulturvereine, Rapmusik oder Aquariumsbesuche, kurz: ein Stück Alltag, geht.

Der jüngste Text ist vom Januar 2009. Langsam nähern sich Beiträge also der Gegenwart, verlieren an zeitlicher Exotik, sind engmaschiger verknüpft mit dem Leben der Leser von heute. YouTube taucht doch noch auf, das Internet wird vom Spielplatz für Technikabenteurer zum nicht mehr wegzudenkenden Bestandteil des Alltags.

Am besten liest man Vernetzt vielleicht so wie einem die Texte in ihrer Erstveröffentlichung begegnet wären – nicht am Stück, sondern immer mal wieder einen zwischendurch; nicht von vorn nach hinten, sondern ohne System. Und wenn man dann an einen schlechten gerät, darf man sich damit trösten, dass er nur kurz und der nächste vermutlich wieder besser gelungen ist.

Krystian Woznicki (Hg.): Vernetzt, Verbrecher Verlag 2009, 176 Seiten 14 €.

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Ein Gastbeitrag von Jasper Nicolaisen

„Sie schläft ist Dietmar Daths bisher persönlichstes Werk“, schrieb der Rezensent. Das war gleich doppelt behämmert; einmal so für sich genommen als unsägliche Floskel und dann auch literaturdings, theoretisch. Es war schließlich auch nach der Revolution am Ende der Geschichte nicht de rigeur, die Person des Autors in die Werkbetrachtung mit einzubeziehen. Im Gegenteil, heute weniger denn je. Müde ironischer Realismus stand im Tausendjahresplan, immer von Bedeutung, nie von Konsequenz, razinkel, razunkel, razoing.

Aber da war der Dath ja immer ein unsicherer Kandidat gewesen. Hatte auf den letzten Metern der Geschichte noch rumgemöhrt von wegen Marxismus und Heavy Metal, und dann, als die neu vereinten Sozial-Liberal-Christbaumgrünen die Revolution über die Bühne gebracht hatten, war’s ihm auch wieder nicht recht gewesen. Hatte sich sang- und klanglos abgesetzt, in Alaska Militäreinrichtungen gekapert, sich genetisch zum Nasenbären aufpimpen lassen und zwischen Orgien in Israel und Kunstgemache im Kammerflimmer-Land auf irgendwie alles geschimpft.

Und jetzt das neue Buch: Überraschung, ganz anders. Der bekannte Dath-Sound, okay. Aber fast von Anfang an war es ein überaus komisches Buch, das sich z.B. über die weltweit geachteten Kultur- und Medienschaffenden des Deutschland sehr lustig machte, indem es beständig so tat, als könnten sie gar nicht richtig deutsch oder überhaupt irgendwie sprechen (denken? handeln?). Ein älterer Kollege hatte dem Rezensenten gesteckt, das sei von einem gewissen Eckhard Henscheid inspiriert; dessen Figur des „Kerzenhändlers Lattern“ spuke da „durch jeden geistverachtenden Wortschwall“, so der Kollege. Lustig wäre es aber auch so gewesen, ohne den Henscheid-Background, nichts Elitäres. Soweit also unbedenklich.

Nur, zweitens, und das wog schwerer, war dieser neue Dath auch eine waschechte Liebesgeschichte. Die Hauptfigur des kleinen Buches, ein Deutscher indischer Herkunft namens Ramji Iwein, arbeitete, von lauter Schwulen und Lesben umgeben, in einem hochalternativen Filmdings, Museum, Online-Irgendwas, das aus undurchsichtigen Gründen nie Geld hatte. Schon das schmeckte irgendwie konterrevolutionär, fand der Rezensent, Dath schien ungeheuerlicherweise andeuten zu wollen, dass diese Randexistenzen im weltoffenen Herzen des alten Europa nicht vollkommen willkommen wären. Aber es waren keine Skinheads oder ungenügend integrierte Zuwanderer, die sie verkloppten, sondern ganz normale Leute. Dass eine Kultureinrichtung kein Geld haben sollte, das war natürlich angesichts der Vollverstaatlichung der Kulturbetriebe durch die Größte Koalition aller Zeiten (GröKoZ) grotesk. Wieder mal eine dieser geistreichen dath’schen Schnurren, freute sich der Rezensent. Aber zurück zur Liebesgeschichte, der höchst bedenklichen.

Dieser Ramji Iwein verliebt, nein, verknallt sich, verfällt, vergeht fast vor einer Frau, und es ist wie Oper, nur noch schöner und schrecklicher. Das ganze Leben dieser beiden Menschen ist in Frage gestellt, es gibt Mann und Kind bei der Frau, es gibt gutes Herz bei Ramji, und doch können sie nicht voneinander lassen. Der Rezensent blätterte heimlich in den neusten „Empfehlungen für ordnungsgemäß mittelmäßiges Kulturschaffen“ der GröKoZ nach, ob so was in zeitgenössischen Büchern eigentlich erlaubt war. War es natürlich nicht. Einfach die Liebe als etwas schildern, was einem ungefragt ins Leben knallt, alles vollkommen ergreift, ungewiss macht und neu. Und wo man gar nicht weiß, wohin jetzt und was das soll und ob man sich von dem alten Partner trennen soll oder nicht oder ewiges Dreieck und ob man eifersüchtig sein soll. Man weiß nur: Es geht nicht ohne einander, man muss die Rede ergänzen und per Hautkontakt in große Geheimnisse vordringen, die die Sprache sprengen und als Seufzen und süßesten Unsinn zurück lassen.

Der Rezensent kratzte sich am Kopf. Unverständlich. Zumal sich die Frau dann auch noch als diejenige entpuppte, die die ganze Romanwelt träumte, inklusive sich selbst, denn wenn sie nicht vorkäme, würde sie ja nicht wirklich alles träumen. Klar. Logisch Dathman. Äußerst sehr gar nicht ging es dieses Mal um alles, worum es sonst bei Dath immer ging (Marx und die Welt, großes Ganzes an und für sich, Buffy), nur um Film ziemlich viel. Im Zusammenhang mit Frau/Liebe auch darum, warum und wofür man diese ganze Kunst eigentlich produziert. Auch darauf war die Antwort erwartbar unkorrekt, aus Liebe nämlich, so der Dath des Buches. Weil er aber schließlich der Dath war und blieb, le Dath, el Datho, ging es dann doch noch ansatzweise um Hirnforschung, Träumen, Bilder vs. Sprache, ein bisschen griechische und indische Mythologie, Kunst und Schaffensprozesse und die Natur der Realität, also ziemlich niedrig gehängt, vergleichsweise. Blieb auch mehr Zeit für die durch und durch verbotene Liebesgeschichte, was dem Buch, fand der Rezensent heimlich, schrieb es aber nicht, eigentlich auch ganz gut tat.

Irgendwie hatte er den Eindruck, dass es trotz oder wegen der Abwesenheit fast aller dath´scher Lieblingsthemen diesmal immer nur um Dath selbst ging. Der hatte in verschiedenen Kassibern über das Pheromonnetz verlauten lassen, er habe eine schwierige Zeit hinter sich gebracht, beruflich und privat, und der Rezensent spekulierte versonnen, ob jemand Tolles vielleicht die Kunstgaben des Dath nicht hatte annehmen wollen, dass der sich so wunderzarte und brachiale Liebestrouble aus dem Herz reißen musste. Nur schreiben durfte man das nicht, wussten die GröKoZ-Richtlinien, denn Autoren gab es ja gar nicht mehr, nur noch Texte. Zur großen Freude des Rezensenten hatte sich aber der Dath, Träumer der Träumerin, selbst ins Buch geschrieben, als DER Dietmar Dath, alberner Besserwisser und Feuilletonhecht, ewig nervender Marxologe und Lakai finsterer Mogule. Und damit war der strenge Textbezug ja wieder vollrohr gegeben, fand der Rezensent, und schrieb frohgemut-verzottelt, dies sei Daths bisher persönlichstes Werk.

Dietmar Dath: „Sie schläft“, Edition Phantasia 2009, 256 Seiten, 20,– Euro

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Katrin Marie Mertens Gedichtband Salinenland versammelt gekonnt Klassisches.

Katrin Marie Mertens Gedichte soll man laut lesen. Die je sechs bis acht Zeilen in ihrem Debütband »Salinenland«, mehr sind es meist nicht, stehen auf dem Papier wie die Meldungen unter »Vermischtes« in einer Lokalzeitung, jene lakonischen Marginalien, die Neuigkeiten zusammenfassen, denen nicht zugetraut wurde, genug für eine ganze Spalte herzugeben. Es gibt keine Titel, stattdessen sind nur einzelne Satzteile in Kapitälchen hervorgehoben; sie dienen bloß zur Orientierung und Identifizierung im Inhaltsverzeichnis. Man muss sie laut lesen, damit sich einem ihr Rhythmus erschließt, der wichtiger ist als das Marginale ihres Inhalts. Die Musikalität, die in diesen wenigen Zeilen liegt, ist bemerkenswert, und zweifellos steckt viel Arbeit in ihnen, die darauf aus gewesen sein muss, immer weiter zu reduzieren, immer mehr von dem abzuschaben, was vielleicht aus der Meldung eine Story und aus den wenigen Zeilen die vollen fünf Spalten der Seite drei gemacht hätte.

Im Zimmer streun wir den Zimt aus
und warten.
So saßen wir abends und aßen das Dörrobst,
Müttern zündeten Kerzen an, brühten den Tee.
So sitzen wir abends an Tischen vor Tassen
und lauschen, denn immer weiß einer die alten
Geschichten, wir lauschen dem Knistern
und streichen einander die Häute so glatt.

Merten beherrscht Metrik und Rhythmus, lässt sich von ihnen aber nie ganz ihr Schreiben vorschreiben. Sie spielt mit den Erwartungen an das Versmaß, lässt eine Folge von locker traben Amphibrachen abrupt ins Straucheln kommen, vermeidet geglückte Reime zugunsten von verfehlten und bringt so eine eigentümliche Form der Abschweifung zustande, in der Syntax und Semantik sich voneinander verabschieden: Während der Takt der Sprache in eine Richtung fortläuft, erkundet der Inhalt des Textes seinen Gegenstand in einer anderen Geschwindigkeit. Wo dieses Verfahren gelingt, ist es erstaunlich, verwirrend und auf eine unaufdringliche Weise großartig.

»Takt« heißt auch der dritte Teil des Bandes, aber dieses Bewusstsein der eigenen Fähigkeiten steht nicht im Mittelpunkt, so wie der Titel den Gegenstand der Zyklen nur andeutet und nicht vorschreibt. Die anderen vier Teile des Bandes heißen »Stadt«, »Schlaf«, »Raum« und »Wach«; diese Übertitel sind nicht zwingend, und so wie der letzte als Adjektiv aus der Reihung von Substantiven ausbricht, so könnten die Gedichte jedes Teiles gut in andere einbrechen.

»Oder sei Katze, / die schleicht und sich leicht schmiegt, gleich / sträubt, schreite aufrecht und auf / deinen eigenen Linien, komm und geh / lautlos, verrate dich nicht.«

Was nicht heißen soll, dass egal sei, wovon die Texte handeln. Denn es geht genau um solche auseinanderstrebenden Bewegungen wie die von Inhalt und Form, es geht um Wahrnehmungsfallen, das Problem festzustellen, wo Objekte im Raum beginnen und die eigene Haut endet, um Hoffnungen auf »greifbare Stoffe« und »dass sich etwas fügt und sich festsetzt, / wie unter den Nägeln die Reste vom Tag«. Das titelgebende »Salinenland« ist eine bezeichnende Metapher für diesen Ort voller flackernder Eindrücke und schwer feststellbarer Dinge: In einer Saline wird Salz gewonnen, durch verdunsten oder verkochen von Sole; sie ist bereits ein Übergang, nicht mehr nur Salzwasser und noch nicht Salzkristall, ein reines Zwischenstadium: »Etwas bleibt offen am Ende«.

»Leise, du kennst / doch die Nachbarn und langsam, du weißt um das Schallen / in allen Etagen beim schnellen Betreten der Stufen«

Mertens Texte haben etwas Klassisches in ihrer Zurückhaltung, ihrer reinen Verdichtung und dem Verzicht auf jene alten Spielereien, mit der die Vertreter der »Lyrik von jetzt« sich voneinander abzuheben versuchen. Schön daran ist, dass das Ergebnis nicht konservativ sein muss – sondern einfach gekonnt. Merten verzichtet auf jeglichen revolutionären Gestus, eben, weil sie es sich leisten kann. Ihre taktvollen Marginalien sind ein überaus gelungenes Debüt.

(Ein Wort noch zur Ausgabe: Der Band erscheint in der Lyrikedition 2000, die von Heinz Ludwig Arnold gegründet wurde und schon über 150 Titel zu verzeichnet hat. Besonders ist an dieser Reihe aber nicht allein die Auswahl der Autorinnen und Autoren, sondern auch das Erscheinungsmodell: Alle Ausgaben werden im Digitaldruckverfahren erstellt und auf Bestellung produziert – keine Ausgabe wird je vergriffen sein. Vielleicht ist das ein Modell, das zwischen den finanziellen Nöten der Kleinverlage und der technischen Unzulänglichkeit von eBooks vermitteln könnte.)
Beitrag über die Lyrikedition 2000 im Deutschlandfunk

Katrin Marie Merten: Salinenland. Gedichte, Lyrikedition 2000, München 2009, 80 S., 8,50 Euro.

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Das Material, das Wolfgang Hermann in seinem dünnen Prosaband vor dem Leser ausbreitet, ist, glaubt man der kursivgesetzte Vorrede, bereits in den späten Achtzigern, im alten Westberlin entstanden. Heute, gut zwanzig Jahre und einen Staatspreis für Literatur später, gibt der Autor seine frühen literarischen “Versuche” (so der Untertitel) nun im kleinen österreichischen Limbus-Verlag heraus. Willkommener Anlass dürfte der kaum jüngere Jahrestag des Mauerfalls gewesen sein. Den unterschiedlichen Texten nimmt man ihr frühes Entstehungsdatum durchaus ab. Die lose in Kapiteln geordneten Prosaminiaturen, -fragmente, dazu ein “Gedicht” und ein abschließender “Brief aus einer Winterstadt”, bilden keineswegs eine formale Einheit. Was damals schlicht unfertig liegen geblieben sein mag, wird nun Programm: Der Stadt kann man nicht habhaft werden, sie nicht begreifen, deshalb müssen wir uns mit Annäherungen und Fragmenten begnügen. Getragen werden sie von einer verbindenden, melancholischen Stimmung. Einer, möchte man fast sagen, typischen Achtzigerjahre-Innerlichkeit. Mal überzeugt sie und mal gerät sie etwas überzeichnet. Man muss sich wohl — gerade als Berliner! — auf diese subjektiv-melancholischen Bilder und das mitunter surrealistische Pathos einlassen (und manche emphatische Überzeichnung überlesen), will man mit das Buch mit Gewinn lesen.

Dieses Buch schrieb ich im Bauch von Berlin, als die Stadt noch ein ummauertes, gefesseltes Tier war. Wenn man die Augen schloss, konnte man sein trauriges Knurren hören. Wenn ich an meine Berliner Winter denke, umschließt mich ein körperloses Grau, in dem nichts leichter fällt als sich zu verlieren. Was ich schrieb, waren wohl Protokolle des Verlusts. […] Ich veröffentliche meine tastenden Protokolle vom Nichtbegreifen des Tiers der Stadt mit großer Verspätung, jetzt, wo das alte Westberlin als Chimäre am Horizont verdämmert.

Zu Beginn also diese doppelte Verlustbeschreibung: das (körperlich empfundene) Verlorenheitsgefühl im deprimierenden Vorwende-Berlin zunächst, dann der Verlust der damals gekannten Stadt selbst, die solche Verlustgefühle auszulösen vermochte. In derartig melancholischer Konsequenz versammelt Konstruktion einer Stadt lose Eindrücke, Erinnerungen, Träume; und so sind die “Konstruktionen” dann auch eher zu verstehen: nicht als etwas Konkretes, Geplantes, Organisiertes, eher als Wolken, die sich um etwas legen. Die Eindrücke sind in altbewährter Flaneur-Manier von der Peripherie, jenseits der Touristen-Pfade her geschrieben. Wohl deshalb fallen inhaltlich manches Mal — gerade dem Berliner Leser? — die Spree-Metropolen-Trübsal-Klischees auf, bekannt “aus Filmen und Fotobänden”, wie es im Text selber heißt: die unzähligen Krähen, das ewige Dunkel des Kanals, das ferne Kinderlachen und der “tiefgraue Wolkenhimmel”, der durch die Kriegsbrachen schneidende Wind, die vergessenen Alten vor ihren Fernsehern, die Enten, die kahlen Bäume und Hochhaussilhouetten, nachts leuchtende Fenster, der “Wind in den Weiden und Pappeln”.

Aber, vieles von dem nimmt man dem inzwischen etablierten, hierzulande aber noch eher unbekannten Vorarlberger Autor ab (und will manches auf den Jugend-Text schieben). Das Bekannte mischt sich mit dem Unbekannten, Befremdlichen. Beeindruckend ist das Traum-Stück in der Mitte des Buches namens “Draußen”, das die Unzugehörigkeit des Autors in der ihm fremden Stadt und so auch das Suchen und Mäandern des Textes aufzugreifen scheint. Es endet:

Ist dort draußen? Ich bin einer von draußen, nicht wahr, sagt mir, bin ich einer von draußen, komme ich von draußen, sagt sagt sagt

Und so schwankt auch Hermanns Stil beständig suchend, experimentierend zwischen solch impulsiver Innerlichkeit und nüchterner Außenbetrachtung. Die zahlreichen kurzen, sachlichen Sätzen beginnen etwa: “Der Postbote stellt sein Rad ab…”, “Der Fischverkäufer kommt aus seinem Geschäft…”, “Ein Alter stieg zu…”, “Das Schiff teilt jetzt den kleinen See…”, “Eine verschleierte Frau öffnet…”, “Ein dunkler Hund streckt…”, und so weiter. Andere Sätze greifen dagegen munter in den Farbkasten der Adjektive: “die bunten Abendlichter mit den Bildern der eilig flatternden Wildenten”, “der plätschernde Brunnen”, “im letzten, schon milchweißen Grau des Abendhimmels…” Die Unsicherheit, das Suchen und Schwanken zwischen Innen und “Draußen” wird so nicht retuschiert, sondern offen und mit Mut zu einer — für Berlin mittlerweile völlig atypischen — Uncoolness ausgestellt. Das ist gut. Das ist lesenswert.

Abschließend bleibt noch die Frage, die man sich beim Lesen immer wieder stellt: Ist das alles wirklich so von gestern? Verdämmert das alte Westberlin wirklich schon als Chimäre? Oder ist Berlin — ein paar Orte im Zentrum mal abgezogen — nicht immer noch genau so? Eine deprimierende Insel? Auch was das alte Westberlin angeht, es ist, glaube ich, vielerorts immer noch da.

Wolfgang Hermann: Konstruktion einer Stadt. Versuche, Limbus Verlag 2009, 111 Seiten, 14,90 €.

(Kleiner Zusatz: Für den Titel verwendete der Limbus-Verlag, wie ich zufällig entdeckte, ein Flickr-Foto. Es wirkt vielleicht etwas zu farbig, zu poliert für Hermanns Texte. Lustig aber ist, dass man die Freude des Fotografen darüber noch auf seiner Flickr-Seite nachlesen kann.)

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