Peter Szondi-Vortrag 2010 – Christoph Ransmayr schultert in „Atlas eines ängstlichen Mannes“ die Welt

Die Welt ist für Christoph Ransmayr eine unendliche Anhäufung von Geschichten. Zwischen (Ant)Arktis und Äquator findet der österreichische Autor den Stoff für seine Prosaminiaturen, die er im “Atlas eines ängstlichen Mannes” gesammelt hat. “Bilder der Welt” nennt Ransmayr die Episoden, deren Reihenfolge immer neu zusammengeschüttelt werden kann. Mit einer Lesung aus dem noch unveröffentlichten Manuskript bestritt der 56-Jährige den Peter Szondi-Vortrag 2010 an der Freien Universität Berlin.

Jede der Geschichten im Atlas beginnt mit der Formel “Ich sah…”, die den radikal subjektiven Blick des Erzählenden markiert. Einen einsamen Golfer am Nordpol stellt Ransmayr den Zuhörern in eineinhalb Stunden ebenso vor wie eine US-amerikanische Christensekte, die in New Mexico jeden Karfreitag eines ihrer Mitglieder kreuzigt – falls es den Cops nicht gelingt, sie davon abzuhalten. Ransmayrs Reisen führen ihn an die Flüsse Indiens, zur Buckelwal-Beobachtung siebzig Seemeilen vor die Dominikanische Republik, zum Stierkampf nach Sevilla.

Unzählige Episoden, beobachtend herausgetrennt aus dem Gewebe der Welt. Der Blick des Erzählenden schweift ab. Authentisch und unmittelbar wirkt dadurch das Geschilderte. Verfolgt der Erzähler in Indien anfangs noch den Kampf zweier Hunde, wird er einen Moment später vom Anglerglück eines kleinen Mädchens abgelenkt. Als er sich wieder den Tieren zuwenden will, sind sie verschwunden. Die Fülle des Geschehens überfordert, der allmächtige Erzähler ist Vergangenheit.

Mit einer zweiten, gegenläufigen Textbewegung schafft der Autor einen weiteren Abstand zum unmittelbaren Geschehen: Der als subjektiv inszenierte Blick wird durch Faktenrecherche und Fachtermini objektiviert. Wenn der Erzähler die rituelle indische Totenverbrennung beschreibt – das Aufplatzen der Gedärme, das Absprengen der Gliedmaßen – steigert sich der Text in einen Furor der Details, der das Gesehene im Nachhinein präzisiert und überformt erscheinen lässt. Der Atlas wird so auch zum Lehrbuch.

Neben Beobachtung und Beschreibung tritt im “Atlas eines ängstlichen Mannes” auch die Bewertung. Ransmayr schildert einen Tauchgang nahe der dominikanischen Silver Bank. Die “weißen Wolkenfäuste der Tropen” korrespondieren mit der “schneeigen Gischt”, der Erzähler wird zum epischen Heros, wenn er um sich “fünf schnorchelnde Schwimmer, meine Gefährten” weiß. Statt einer Schlacht hat der Held eine Begegnung mit ‘dem Anderen’ zu bestehen: Neben ihm taucht eine Walkuh zum Luftholen auf.

In den Augen des gigantischen Säugetiers, das dem auf der Wasseroberfläche treibenden Winzling mit einer kaum merklichen Bewegung ausweicht, meint die Autorfigur eine “tiefe Gleichgültigkeit” zu erkennen. Sie vermittelt ihm das “Gefühl, ich müsste mich auflösen”. Demütig erkennt er, dass die Welt auch ohne ihn vollständig ist. Das Subjekt ist verzichtbar. So bricht bei Ransmayr das Zentrum zusammen, von dem das Erzählen ausgeht – und paradoxerweise ist dem Interpretierenden die Welt genau in diesem Moment vollständig verfügbar. Es ist noch immer das Textsubjekt selbst, das seine Verzichtbarkeit behauptet. Eine souveräne Geste der Entmachtung.

Der Erzähler, überforderter Chronist und kosmische Randerscheinung, schultert seine unbewältigbare Aufgabe wie der Titan Atlas das Gewicht der Welt. Vielleicht lädt er sich dabei manches Mal zu viel auf. Wer eine Corrida in Sevilla beschreibt, misst sich mit einem literarischen Vorgänger wie Hemingway. Ransmayr, um die originelle Perspektive auf einen kulturellen Topos bemüht, findet Erwartbares. Er konstruiert auch hier wieder eine Konfrontation zwischen Mensch und Tier, die er effektvoll auf dem Höhepunkt abbricht: Der Stier, “unaufhaltsam”, rennt ein letztes Mal gegen den berittenen Rejoneador an, der die Lanze zum Todesstoß erhoben hält.

Vor das Bild schiebt sich, fast penetrant, immer wieder die Erzählerstimme. Sie imaginiert für den Bullen ein “friedvolles Dasein auf den Weiden seiner Herkunft” und seziert die strenge, tänzerischen Regeln gehorchende Todesarbeit des Torero, bis für die Vorstellungskraft des Zuhörenden kaum mehr Raum ist. Alles ist ausbuchstabiert, die hermeneutische Arbeit wir dem Lesenden abgenommen.

Berührend hingegen ist die Prosaminiatur über den Insassen einer Irrenanstalt in Griechenland, der vielleicht verrückt, vielleicht aber auch ein Opfer der Militärdiktatur ist, das die Junta im Hospital verschwinden ließ. Der Mann schreit, wimmert, lallt in unverständlichen Lauten und verstummt in einem offenbar genau festgelegten Rhythmus, dessen Gestaltungsregeln dem Erzähler verborgen bleiben. Das befremdliche Ritual ist der kleine, komprimierte Rest Leben, den sich der Gefangene bewahrt.

Übersetzt hat sich die Isolierung des Individuums auch in eine körperliche Bewegung: Der Gefangene sitzt in einer kleinen Schatteninsel. Fast automatisch rutscht er dem Schatten nach, der Sonne ausweichend und ihr zugleich gehorchend wie der Zeiger einer Sonnenuhr. Immer näher rückt er so an das Gebäude der Heilanstalt heran, bis sein Schattenfleck mit dem Dunkel um den Bau herum verschmilzt. Entsetzt hebt das verstörte Wesen zu schreien an, schreit unaufhörlich, bis zwei Pfleger es ins Gebäudeinnere schleifen. Der Erzähler kann nur vermuten: Der Gefangene hat den eigenen Schatten verloren, “fühlte sich in Ewigkeit gefangen”. Dem zerscherbten Individuum mag nun “alles für immer”, ausweglos erscheinen.

Hier findet Ransmayr eine Ebene, die das Erlebte zwischen Sehen und Verstehen in der Schwebe hält. Der Verlust der Identität wird in ein eindringliches Bild gebannt, vorsichtig und einfühlsam umkreist. Dieser Mensch ist nicht interpretierbar, seine radikal subjektive Geschichte will sich nicht mitteilen. Die Schilderung ist von staunenswerter Komplexität, hallt lange nach. Abseits der gängigen Reiseziele findet sich das Unerhörte, der unbekannte Text. Davon, so wünscht man sich, soll der ‘ängstliche Mann’ beherzt noch viel, viel mehr auflesen.

Bild: © wuestenfux / PIXELIO

Eine Anthologie baut Brücken in die jüngere Vergangenheit

Kinder, wie die Zeit vergeht! Neunzehnhundertneunundneunzig: Deutschland wird von Basta!-Kanzler Gerhard Schröder und den Grünen regiert; in den USA legt sich langsam die Aufregung um einen Fleck auf Frau Lewinskys Kleid; die später sogenannten »westlichen Werte« scheren sich einen Dreck um die Taliban, weil die Twin Towers noch stehen und Terrorismus überhaupt allerhöchstens ein tschetschenisch-russisches Problem ist. Musik wird im Geschäft gekauft oder illegal bei Napster runtergeladen, an WLAN und YouTube ist noch nicht zu denken, zu Google gibt es Alternativen. Erinnert sich jemand?

Auch 1999 gründet Krystian Woznicki in Berlin das Mini-Feuilleton »Berliner Gazette« und zeigt dabei einen sicheren Blick für Zukünftiges: Als andere Zeitungen gerade erst anfangen, über eine eigenständige Internetpräsenz nachzudenken, verzichtet die Gazette ganz auf Papier und erscheint ausschließlich im Internet. Woznicki hat im letzten Jahr von der Chefredaktion des Blattes in den Vorstand des dahinterstehenden Vereines (»Berliner Gazette e.V.«) gewechselt. Zum Abschied gab er noch eine Anthologie heraus, die unter dem Titel Vernetzt Beiträge aus zehn Jahren Gazettengeschichte versammelt. Die Texte sind kurze Ich-Erzählungen, Antworten auf eine meist per E-Mail gestellte Frage (die den Lesern allerdings verborgen bleibt), und so unterschiedlich wie ihre Autoren. Graffitisprühende oder Counterstrikezockende Teenager, deren erstes Ausdrucksmedium offensichtlich nicht die geschriebene Sprache ist, berichten ebenso aus ihrem Lebensalltag wie Schriftsteller oder Professoren, die in der Schrift zu Hause sind. Immer um Aktualität bemüht, tun die einzelnen Beiträge kund von einer Zeit, in der Privatpersonen mit Boris Becker das Internet entdeckten und manchmal jemand vorbeikam, um seine E-Mails zu checken.

Diese Zeugenschaft ist zugleich Stärke und Schwäche des Bandes. Denn was vor zehn Jahren aktuell war, ist es heute nicht notwendig auch noch. Kann sein, dass die meisten Texte lustig sind. Vielleicht sind sie sogar gut. Dann jedenfalls, wenn man sie als Kolumnen in einer Zeitung liest, als flotte Gegenwartskritik (»Kapitalismus!« »Neoliberalismus!« »Egoismus!«) zwischen längeren Artikeln. Wenn aber 45 von ihnen gesammelt in einem Band auftauchen und weniger Momentaufnahmen aus dem Jetzt sind als Relikte einer Zeit, an die wir uns heute ein wenig spöttisch erinnern, wirken sie schnell öde. Doch wird man den Texten damit nicht gerecht. Sicherlich, einige sind fürchterlich schlecht geschrieben. Aber vielleicht ist das gerade Ausdruck der von Frau Hegemann postulierten Echtheit (auch hier entpuppt sich die »Berliner Gazette« in gewisser Weise als visionär). Denn in allen Texten teilt sich ein Autor mit, vernetzt seine Lebenswelt mit denen seiner Leser, erklärt sie ihnen ein bisschen. Wie steht man zu der Heimat, aus der man vor einem Völkermord geflohen ist (Hok Dany), welche Rolle spielt Nationalität für einen Jugendlichen, dessen Vater aus einer französischen Kolonie stammt (Paul Thérésin), oder, ganz banal: Wie sieht ein Philosoph die Welt (Jean-Luc Nancy)? Keine dieser Antworten wird direkt und abstrakt erteilt, vielmehr liegen sie unter den Texten und zeigen sich darin, wenn es um Kulturvereine, Rapmusik oder Aquariumsbesuche, kurz: ein Stück Alltag, geht.

Der jüngste Text ist vom Januar 2009. Langsam nähern sich Beiträge also der Gegenwart, verlieren an zeitlicher Exotik, sind engmaschiger verknüpft mit dem Leben der Leser von heute. YouTube taucht doch noch auf, das Internet wird vom Spielplatz für Technikabenteurer zum nicht mehr wegzudenkenden Bestandteil des Alltags.

Am besten liest man Vernetzt vielleicht so wie einem die Texte in ihrer Erstveröffentlichung begegnet wären – nicht am Stück, sondern immer mal wieder einen zwischendurch; nicht von vorn nach hinten, sondern ohne System. Und wenn man dann an einen schlechten gerät, darf man sich damit trösten, dass er nur kurz und der nächste vermutlich wieder besser gelungen ist.

Krystian Woznicki (Hg.): Vernetzt, Verbrecher Verlag 2009, 176 Seiten 14 €.

Ein Gastbeitrag von Jasper Nicolaisen

„Sie schläft ist Dietmar Daths bisher persönlichstes Werk“, schrieb der Rezensent. Das war gleich doppelt behämmert; einmal so für sich genommen als unsägliche Floskel und dann auch literaturdings, theoretisch. Es war schließlich auch nach der Revolution am Ende der Geschichte nicht de rigeur, die Person des Autors in die Werkbetrachtung mit einzubeziehen. Im Gegenteil, heute weniger denn je. Müde ironischer Realismus stand im Tausendjahresplan, immer von Bedeutung, nie von Konsequenz, razinkel, razunkel, razoing.

Aber da war der Dath ja immer ein unsicherer Kandidat gewesen. Hatte auf den letzten Metern der Geschichte noch rumgemöhrt von wegen Marxismus und Heavy Metal, und dann, als die neu vereinten Sozial-Liberal-Christbaumgrünen die Revolution über die Bühne gebracht hatten, war’s ihm auch wieder nicht recht gewesen. Hatte sich sang- und klanglos abgesetzt, in Alaska Militäreinrichtungen gekapert, sich genetisch zum Nasenbären aufpimpen lassen und zwischen Orgien in Israel und Kunstgemache im Kammerflimmer-Land auf irgendwie alles geschimpft.

Und jetzt das neue Buch: Überraschung, ganz anders. Der bekannte Dath-Sound, okay. Aber fast von Anfang an war es ein überaus komisches Buch, das sich z.B. über die weltweit geachteten Kultur- und Medienschaffenden des Deutschland sehr lustig machte, indem es beständig so tat, als könnten sie gar nicht richtig deutsch oder überhaupt irgendwie sprechen (denken? handeln?). Ein älterer Kollege hatte dem Rezensenten gesteckt, das sei von einem gewissen Eckhard Henscheid inspiriert; dessen Figur des „Kerzenhändlers Lattern“ spuke da „durch jeden geistverachtenden Wortschwall“, so der Kollege. Lustig wäre es aber auch so gewesen, ohne den Henscheid-Background, nichts Elitäres. Soweit also unbedenklich.

Nur, zweitens, und das wog schwerer, war dieser neue Dath auch eine waschechte Liebesgeschichte. Die Hauptfigur des kleinen Buches, ein Deutscher indischer Herkunft namens Ramji Iwein, arbeitete, von lauter Schwulen und Lesben umgeben, in einem hochalternativen Filmdings, Museum, Online-Irgendwas, das aus undurchsichtigen Gründen nie Geld hatte. Schon das schmeckte irgendwie konterrevolutionär, fand der Rezensent, Dath schien ungeheuerlicherweise andeuten zu wollen, dass diese Randexistenzen im weltoffenen Herzen des alten Europa nicht vollkommen willkommen wären. Aber es waren keine Skinheads oder ungenügend integrierte Zuwanderer, die sie verkloppten, sondern ganz normale Leute. Dass eine Kultureinrichtung kein Geld haben sollte, das war natürlich angesichts der Vollverstaatlichung der Kulturbetriebe durch die Größte Koalition aller Zeiten (GröKoZ) grotesk. Wieder mal eine dieser geistreichen dath’schen Schnurren, freute sich der Rezensent. Aber zurück zur Liebesgeschichte, der höchst bedenklichen.

Dieser Ramji Iwein verliebt, nein, verknallt sich, verfällt, vergeht fast vor einer Frau, und es ist wie Oper, nur noch schöner und schrecklicher. Das ganze Leben dieser beiden Menschen ist in Frage gestellt, es gibt Mann und Kind bei der Frau, es gibt gutes Herz bei Ramji, und doch können sie nicht voneinander lassen. Der Rezensent blätterte heimlich in den neusten „Empfehlungen für ordnungsgemäß mittelmäßiges Kulturschaffen“ der GröKoZ nach, ob so was in zeitgenössischen Büchern eigentlich erlaubt war. War es natürlich nicht. Einfach die Liebe als etwas schildern, was einem ungefragt ins Leben knallt, alles vollkommen ergreift, ungewiss macht und neu. Und wo man gar nicht weiß, wohin jetzt und was das soll und ob man sich von dem alten Partner trennen soll oder nicht oder ewiges Dreieck und ob man eifersüchtig sein soll. Man weiß nur: Es geht nicht ohne einander, man muss die Rede ergänzen und per Hautkontakt in große Geheimnisse vordringen, die die Sprache sprengen und als Seufzen und süßesten Unsinn zurück lassen.

Der Rezensent kratzte sich am Kopf. Unverständlich. Zumal sich die Frau dann auch noch als diejenige entpuppte, die die ganze Romanwelt träumte, inklusive sich selbst, denn wenn sie nicht vorkäme, würde sie ja nicht wirklich alles träumen. Klar. Logisch Dathman. Äußerst sehr gar nicht ging es dieses Mal um alles, worum es sonst bei Dath immer ging (Marx und die Welt, großes Ganzes an und für sich, Buffy), nur um Film ziemlich viel. Im Zusammenhang mit Frau/Liebe auch darum, warum und wofür man diese ganze Kunst eigentlich produziert. Auch darauf war die Antwort erwartbar unkorrekt, aus Liebe nämlich, so der Dath des Buches. Weil er aber schließlich der Dath war und blieb, le Dath, el Datho, ging es dann doch noch ansatzweise um Hirnforschung, Träumen, Bilder vs. Sprache, ein bisschen griechische und indische Mythologie, Kunst und Schaffensprozesse und die Natur der Realität, also ziemlich niedrig gehängt, vergleichsweise. Blieb auch mehr Zeit für die durch und durch verbotene Liebesgeschichte, was dem Buch, fand der Rezensent heimlich, schrieb es aber nicht, eigentlich auch ganz gut tat.

Irgendwie hatte er den Eindruck, dass es trotz oder wegen der Abwesenheit fast aller dath´scher Lieblingsthemen diesmal immer nur um Dath selbst ging. Der hatte in verschiedenen Kassibern über das Pheromonnetz verlauten lassen, er habe eine schwierige Zeit hinter sich gebracht, beruflich und privat, und der Rezensent spekulierte versonnen, ob jemand Tolles vielleicht die Kunstgaben des Dath nicht hatte annehmen wollen, dass der sich so wunderzarte und brachiale Liebestrouble aus dem Herz reißen musste. Nur schreiben durfte man das nicht, wussten die GröKoZ-Richtlinien, denn Autoren gab es ja gar nicht mehr, nur noch Texte. Zur großen Freude des Rezensenten hatte sich aber der Dath, Träumer der Träumerin, selbst ins Buch geschrieben, als DER Dietmar Dath, alberner Besserwisser und Feuilletonhecht, ewig nervender Marxologe und Lakai finsterer Mogule. Und damit war der strenge Textbezug ja wieder vollrohr gegeben, fand der Rezensent, und schrieb frohgemut-verzottelt, dies sei Daths bisher persönlichstes Werk.

Dietmar Dath: „Sie schläft“, Edition Phantasia 2009, 256 Seiten, 20,– Euro

Katrin Marie Mertens Gedichtband Salinenland versammelt gekonnt Klassisches.

Katrin Marie Mertens Gedichte soll man laut lesen. Die je sechs bis acht Zeilen in ihrem Debütband »Salinenland«, mehr sind es meist nicht, stehen auf dem Papier wie die Meldungen unter »Vermischtes« in einer Lokalzeitung, jene lakonischen Marginalien, die Neuigkeiten zusammenfassen, denen nicht zugetraut wurde, genug für eine ganze Spalte herzugeben. Es gibt keine Titel, stattdessen sind nur einzelne Satzteile in Kapitälchen hervorgehoben; sie dienen bloß zur Orientierung und Identifizierung im Inhaltsverzeichnis. Man muss sie laut lesen, damit sich einem ihr Rhythmus erschließt, der wichtiger ist als das Marginale ihres Inhalts. Die Musikalität, die in diesen wenigen Zeilen liegt, ist bemerkenswert, und zweifellos steckt viel Arbeit in ihnen, die darauf aus gewesen sein muss, immer weiter zu reduzieren, immer mehr von dem abzuschaben, was vielleicht aus der Meldung eine Story und aus den wenigen Zeilen die vollen fünf Spalten der Seite drei gemacht hätte.

Im Zimmer streun wir den Zimt aus
und warten.
So saßen wir abends und aßen das Dörrobst,
Müttern zündeten Kerzen an, brühten den Tee.
So sitzen wir abends an Tischen vor Tassen
und lauschen, denn immer weiß einer die alten
Geschichten, wir lauschen dem Knistern
und streichen einander die Häute so glatt.

Merten beherrscht Metrik und Rhythmus, lässt sich von ihnen aber nie ganz ihr Schreiben vorschreiben. Sie spielt mit den Erwartungen an das Versmaß, lässt eine Folge von locker traben Amphibrachen abrupt ins Straucheln kommen, vermeidet geglückte Reime zugunsten von verfehlten und bringt so eine eigentümliche Form der Abschweifung zustande, in der Syntax und Semantik sich voneinander verabschieden: Während der Takt der Sprache in eine Richtung fortläuft, erkundet der Inhalt des Textes seinen Gegenstand in einer anderen Geschwindigkeit. Wo dieses Verfahren gelingt, ist es erstaunlich, verwirrend und auf eine unaufdringliche Weise großartig.

»Takt« heißt auch der dritte Teil des Bandes, aber dieses Bewusstsein der eigenen Fähigkeiten steht nicht im Mittelpunkt, so wie der Titel den Gegenstand der Zyklen nur andeutet und nicht vorschreibt. Die anderen vier Teile des Bandes heißen »Stadt«, »Schlaf«, »Raum« und »Wach«; diese Übertitel sind nicht zwingend, und so wie der letzte als Adjektiv aus der Reihung von Substantiven ausbricht, so könnten die Gedichte jedes Teiles gut in andere einbrechen.

»Oder sei Katze, / die schleicht und sich leicht schmiegt, gleich / sträubt, schreite aufrecht und auf / deinen eigenen Linien, komm und geh / lautlos, verrate dich nicht.«

Was nicht heißen soll, dass egal sei, wovon die Texte handeln. Denn es geht genau um solche auseinanderstrebenden Bewegungen wie die von Inhalt und Form, es geht um Wahrnehmungsfallen, das Problem festzustellen, wo Objekte im Raum beginnen und die eigene Haut endet, um Hoffnungen auf »greifbare Stoffe« und »dass sich etwas fügt und sich festsetzt, / wie unter den Nägeln die Reste vom Tag«. Das titelgebende »Salinenland« ist eine bezeichnende Metapher für diesen Ort voller flackernder Eindrücke und schwer feststellbarer Dinge: In einer Saline wird Salz gewonnen, durch verdunsten oder verkochen von Sole; sie ist bereits ein Übergang, nicht mehr nur Salzwasser und noch nicht Salzkristall, ein reines Zwischenstadium: »Etwas bleibt offen am Ende«.

»Leise, du kennst / doch die Nachbarn und langsam, du weißt um das Schallen / in allen Etagen beim schnellen Betreten der Stufen«

Mertens Texte haben etwas Klassisches in ihrer Zurückhaltung, ihrer reinen Verdichtung und dem Verzicht auf jene alten Spielereien, mit der die Vertreter der »Lyrik von jetzt« sich voneinander abzuheben versuchen. Schön daran ist, dass das Ergebnis nicht konservativ sein muss – sondern einfach gekonnt. Merten verzichtet auf jeglichen revolutionären Gestus, eben, weil sie es sich leisten kann. Ihre taktvollen Marginalien sind ein überaus gelungenes Debüt.

(Ein Wort noch zur Ausgabe: Der Band erscheint in der Lyrikedition 2000, die von Heinz Ludwig Arnold gegründet wurde und schon über 150 Titel zu verzeichnet hat. Besonders ist an dieser Reihe aber nicht allein die Auswahl der Autorinnen und Autoren, sondern auch das Erscheinungsmodell: Alle Ausgaben werden im Digitaldruckverfahren erstellt und auf Bestellung produziert – keine Ausgabe wird je vergriffen sein. Vielleicht ist das ein Modell, das zwischen den finanziellen Nöten der Kleinverlage und der technischen Unzulänglichkeit von eBooks vermitteln könnte.)
Beitrag über die Lyrikedition 2000 im Deutschlandfunk

Katrin Marie Merten: Salinenland. Gedichte, Lyrikedition 2000, München 2009, 80 S., 8,50 Euro.

Das Material, das Wolfgang Hermann in seinem dünnen Prosaband vor dem Leser ausbreitet, ist, glaubt man der kursivgesetzte Vorrede, bereits in den späten Achtzigern, im alten Westberlin entstanden. Heute, gut zwanzig Jahre und einen Staatspreis für Literatur später, gibt der Autor seine frühen literarischen “Versuche” (so der Untertitel) nun im kleinen österreichischen Limbus-Verlag heraus. Willkommener Anlass dürfte der kaum jüngere Jahrestag des Mauerfalls gewesen sein. Den unterschiedlichen Texten nimmt man ihr frühes Entstehungsdatum durchaus ab. Die lose in Kapiteln geordneten Prosaminiaturen, -fragmente, dazu ein “Gedicht” und ein abschließender “Brief aus einer Winterstadt”, bilden keineswegs eine formale Einheit. Was damals schlicht unfertig liegen geblieben sein mag, wird nun Programm: Der Stadt kann man nicht habhaft werden, sie nicht begreifen, deshalb müssen wir uns mit Annäherungen und Fragmenten begnügen. Getragen werden sie von einer verbindenden, melancholischen Stimmung. Einer, möchte man fast sagen, typischen Achtzigerjahre-Innerlichkeit. Mal überzeugt sie und mal gerät sie etwas überzeichnet. Man muss sich wohl — gerade als Berliner! — auf diese subjektiv-melancholischen Bilder und das mitunter surrealistische Pathos einlassen (und manche emphatische Überzeichnung überlesen), will man mit das Buch mit Gewinn lesen.

Dieses Buch schrieb ich im Bauch von Berlin, als die Stadt noch ein ummauertes, gefesseltes Tier war. Wenn man die Augen schloss, konnte man sein trauriges Knurren hören. Wenn ich an meine Berliner Winter denke, umschließt mich ein körperloses Grau, in dem nichts leichter fällt als sich zu verlieren. Was ich schrieb, waren wohl Protokolle des Verlusts. […] Ich veröffentliche meine tastenden Protokolle vom Nichtbegreifen des Tiers der Stadt mit großer Verspätung, jetzt, wo das alte Westberlin als Chimäre am Horizont verdämmert.

Zu Beginn also diese doppelte Verlustbeschreibung: das (körperlich empfundene) Verlorenheitsgefühl im deprimierenden Vorwende-Berlin zunächst, dann der Verlust der damals gekannten Stadt selbst, die solche Verlustgefühle auszulösen vermochte. In derartig melancholischer Konsequenz versammelt Konstruktion einer Stadt lose Eindrücke, Erinnerungen, Träume; und so sind die “Konstruktionen” dann auch eher zu verstehen: nicht als etwas Konkretes, Geplantes, Organisiertes, eher als Wolken, die sich um etwas legen. Die Eindrücke sind in altbewährter Flaneur-Manier von der Peripherie, jenseits der Touristen-Pfade her geschrieben. Wohl deshalb fallen inhaltlich manches Mal — gerade dem Berliner Leser? — die Spree-Metropolen-Trübsal-Klischees auf, bekannt “aus Filmen und Fotobänden”, wie es im Text selber heißt: die unzähligen Krähen, das ewige Dunkel des Kanals, das ferne Kinderlachen und der “tiefgraue Wolkenhimmel”, der durch die Kriegsbrachen schneidende Wind, die vergessenen Alten vor ihren Fernsehern, die Enten, die kahlen Bäume und Hochhaussilhouetten, nachts leuchtende Fenster, der “Wind in den Weiden und Pappeln”.

Aber, vieles von dem nimmt man dem inzwischen etablierten, hierzulande aber noch eher unbekannten Vorarlberger Autor ab (und will manches auf den Jugend-Text schieben). Das Bekannte mischt sich mit dem Unbekannten, Befremdlichen. Beeindruckend ist das Traum-Stück in der Mitte des Buches namens “Draußen”, das die Unzugehörigkeit des Autors in der ihm fremden Stadt und so auch das Suchen und Mäandern des Textes aufzugreifen scheint. Es endet:

Ist dort draußen? Ich bin einer von draußen, nicht wahr, sagt mir, bin ich einer von draußen, komme ich von draußen, sagt sagt sagt

Und so schwankt auch Hermanns Stil beständig suchend, experimentierend zwischen solch impulsiver Innerlichkeit und nüchterner Außenbetrachtung. Die zahlreichen kurzen, sachlichen Sätzen beginnen etwa: “Der Postbote stellt sein Rad ab…”, “Der Fischverkäufer kommt aus seinem Geschäft…”, “Ein Alter stieg zu…”, “Das Schiff teilt jetzt den kleinen See…”, “Eine verschleierte Frau öffnet…”, “Ein dunkler Hund streckt…”, und so weiter. Andere Sätze greifen dagegen munter in den Farbkasten der Adjektive: “die bunten Abendlichter mit den Bildern der eilig flatternden Wildenten”, “der plätschernde Brunnen”, “im letzten, schon milchweißen Grau des Abendhimmels…” Die Unsicherheit, das Suchen und Schwanken zwischen Innen und “Draußen” wird so nicht retuschiert, sondern offen und mit Mut zu einer — für Berlin mittlerweile völlig atypischen — Uncoolness ausgestellt. Das ist gut. Das ist lesenswert.

Abschließend bleibt noch die Frage, die man sich beim Lesen immer wieder stellt: Ist das alles wirklich so von gestern? Verdämmert das alte Westberlin wirklich schon als Chimäre? Oder ist Berlin — ein paar Orte im Zentrum mal abgezogen — nicht immer noch genau so? Eine deprimierende Insel? Auch was das alte Westberlin angeht, es ist, glaube ich, vielerorts immer noch da.

Wolfgang Hermann: Konstruktion einer Stadt. Versuche, Limbus Verlag 2009, 111 Seiten, 14,90 €.

(Kleiner Zusatz: Für den Titel verwendete der Limbus-Verlag, wie ich zufällig entdeckte, ein Flickr-Foto. Es wirkt vielleicht etwas zu farbig, zu poliert für Hermanns Texte. Lustig aber ist, dass man die Freude des Fotografen darüber noch auf seiner Flickr-Seite nachlesen kann.)

Judith Schalansky kartografiert das Abgelegene

Ärgerlich ist an diesem Buch höchstens, dass man es selbst hätte schreiben wollen. Das jedenfalls meinte mein Bruder, mit dem ich mir vor einigen Monaten, via Twitter und GoogleEarth, kleine und unbekannte Inseln hin und her geschickt hatte, ohne dass wir von diesem Atlas etwas wussten. Das Schönste an diesem Buch sind vielleicht nicht die vielen aufwendig schlicht gestalteten Karten, nicht der orange gefärbte Schnitt, nicht der so überzeugend einfache und neu schon alt wirkende Einband, auch nicht die sorgsam gestaltete Typografie, die schon an Stevensons Schatzinsel denken lässt, bevor man überhaupt eine Zeile gelesen hat — das Schönste ist die Geste selber, mit der sich der Atlas der abgelegenen Inseln dem Kleinen und Vergessenen, gemeinhin so Unwichtigen nähert. Die spielerische Gewissenhaftigkeit, mit der zu jeder Insel Angaben zu Größe, Einwohnern und Entfernungen gemacht werden, und die strenge Großzügigkeit, mit der dies dann alles grafisch umgesetzt ist.

Denn auf die Frage, “wozu braucht man dieses Buch eigentlich?”, ist nur zweitrangig die Antwort, dass man mit ihm seinen Wissenshorizont um diese oder jene mehr oder weniger kleine Inseln erweitern könnte und sich nebenher noch einiges Historisches oder Literarisches hinzuerfahren ließe. Sondern eher, dass sich hier lernen lässt, wie man sich auf die Suche begeben kann nach dem sonst Übersehenen, scheinbar Wertlosen, und dass sich dieses Suchen lohnt. Es ist natürlich eine Kinder-Freude und ein kindliches Entdecken, um das es hier geht. Und beidem kann man sich mit Schalanskys Atlas völlig hingeben. Ähnlich (ja noch mehr) wie bei dem ebenfalls biblio- und typophilen Fraktur mon Amour ist es die reinste Lust (man muss dieses Wort hier gebrauchen), die Seiten aufzuschlagen, mit dem Finger die Buchmitte aufzufalzen, über den Faden der Bindung und über das Blau des Meeres hin zu den Küstenlinien der Inseln zu fahren. 50 davon gibt es, sie sind nach Ozeanen geordnet, und jede hat ihre eigene, ganzseitige Karte — wenn sie auch noch so verschwindend klein ist (was dadurch besonders erfahrbar wird, dass der Maßstab von Insel zu Insel nicht gewechselt wird, so dass die Inseln beim Blättern zueinander in eine geschwisterliche Verbindung treten — so, als ob man sie zum Messen an den Türramen gestellt hätte). Das reinste Pantoffeltierchen ist z. B. die Howlandinsel, noch kleiner ist die nicht mal einen Quadratkilometer große Insel Tromelin. Die Rudolf-Insel dagegen ist so groß, dass sie kaum auf die Seite passt.

“Das Paradies ist eine Insel. Die Hölle auch”

Auf eben dieses Kinder-Erleben legt es der Atlas sicher an, aber — und das hebt ihn über die (sicher bereits verdienstvolle) Kategorie eines solchen Erlebnis- und Geschenkbuchs hinaus — er spielt mit der naiven Erwartungshaltung zugleich auf subtile Weise. “Ich bin mit dem Atlas groß geworden”, schreibt die Autorin im Vorwort (und hier mag man sich noch denken, “welches Schulkind ist das nicht?”), um sogleich hinzufügen: “Und als Atlas-Kind war ich natürlich nie im Ausland.” “Natürlich nie” — auch wenn man an dieser Stelle von der DDR-Kindheit der Berliner Autorin noch nichts ahnt, die bereits Thema ihres ebenfalls nautischen “Matrosenroman” Blau steht dir nicht gewesen ist, merkt man doch gleich, dass es hier nicht bloß um Kinderfreude geht, sondern den ziemlich komplizierten Komplex von Sehnsüchten, die, erfüllt oder unerfüllt, dem einen zur Qual, dem anderen zur bald enttäuschten Freude werden können. Dazu liest sich die Überschrift des Vorworts erklärend: “Das Paradies ist eine Insel. Die Hölle auch”.

Genauso unterschiedlich lesen sich auch die jeder Insel beigegebenen Texte: Da ist die schöne wie unglaubliche Geschichte des Marc Liblin, der seit seiner Kindheit auf Polynesisch träumt, als Aussteiger in die Bretagne zieht, wo ihm Wissenschaftler der Universität Rennes das Ursprungsland seiner Traumsprache zu finden helfen: Rapa Iti. Und da ist die schreckliche Geschichte  des Seekadetten Henry Eld, der auf der australischen Macquarieinsel (beinahe) von abertausenden Vögeln gefressen wird. Gemeinsam ist den Geschichten, dass sie von dem Bemühen gezeichnet sind, ebenso abgelegen zu sein wie die Inseln, die sie beschreiben. Und das noch an den Stellen, an denen das Bekannte eigentlich unvermeidlich ist. So wird von den chilenischen Juan-Fernandez-Inseln nicht die Geschichte Robinson Crusoes erzählt, sondern von der Behauptung, das Tagebuch des Crusoe-Vorbilds Selkirk, der hier ausgesetzt worden ist, liege in der Berliner Staatsbibliothek.

Es mag zu diesem Konzept gehören, dass der neugierig gewordene Leser anschließend gezwungen wird, sich selbst auf die Suche nach weiterer, möglicherweise abgelegener Literatur zu begeben. Dass er sich das eine oder andere Mal sicher über ein paar bibliographische Angaben gefreut hätte, ist daher kein echter Kritikpunkt. Zumal er ja mit Stevenson gelernt hat: Nicht um den Schatz (oder so) geht es, sondern die Insel selber. Für seine Schatzinsel nämlich zeichnete Stevenson eine Phantasie-Karte, deren Insel seine Vorstellungskraft dann, wie auch das Vorwort zum Atlas zitiert, ganz “außerordentlich” befruchtete und “entzückte”.

Mein Bruder entschied sich damals übrigens für Tristan da Cunha, dessen größte Siedlung sich Edinburgh of the Seven Seas nennt und die im Atlas (mit Johann Gottfried Schnabel und Arno Schmidt) als Insel der Utopien beschrieben wird (S. 48). Weil Tristan schon vergeben war, hatte ich mir dann eine so gut versteckte Inselgruppe ausgesucht, dass ich sie nun (auch beim erneuten Nachsuchen nicht!) beim besten Willen nicht mehr finden kann. Ich glaube, sie fehlt im Atlas. Und das beruhigt mich irgendwie.

Judith Schalansky: Atlas der abgelegenen Inseln. Fünfzig Inseln, auf denen ich nie war und niemals sein werde, mare Verlag, 144 Seiten, Halbleinen mit dreiseitigem Farbschnitt, 34.00 Euro

Ein Gastbeitrag von Susanne Schmidt

Die Deutschen und ihre nationale Identität, das ist eine Frage, die seit der WM 2006 vor allem mit Fußball verbunden wird. Gut drei Jahre später will Thomas von Steinaecker dazu auch noch was sagen. Er stellt seine Überlegungen in der unruhigen Lounge des Berliner „Kulturkaufhaus” Dussmann an, wo er zum ersten Mal aus „Schutzgebiet” liest. Steinaecker sagt, dass er mit „Schutzgebiet” einen Deutschlandroman schreiben wollte, einen Roman, mit dem er der deutschen Identität auf die Spur kommen wollte. Warum auch immer. Zwei Dussmann-Angestellten klatschen dazu, so laut sie müssen.

Vorgelegt hat Steinaecker einen Bericht über den Nicht-Aufstieg und Fall der Stadt Benesi, einer deutschen Festung in der fiktiven afrikanischen Kolonie Tola. In diesem „Schutzgebiet” bündelt er Sehnsüchte und Träume, um unter der Lupe der Imagination einen Roman über die Fiktionen der Kolonialzeit zu schreiben. Eine Mentalitätsgeschichte der Kolonialzeit soll es sein, die zugleich metaphorisch für eine deutsche Idee im 21. Jahrhundert steht, für Minderwertigkeitkomplexe und Selbstüberschätzung, sagt Steinaecker. Er nimmt sich mit „Schutzgebiet” nichts Geringeres vor, als das Verhältnis zwischen Idee und Realität zu untersuchen und gleichzeitig seine Vision eines sowohl epischen als auch analytischen Romans zu verwirklichen.

Henry, Architekt und einziger Überlebender eines Schiffsunglücks, gelangt nach Benesi und nimmt dort die Identität seines verstorbenen Vorgesetzten Selwin an. Sein Name ist W.G. Sebalds Ausgewanderten entliehen, Henry steht symbolisch für die Figur des Emigranten, der hofft, seinen Traum in einer anderen Welt verwirklichen zu können. Das scheint zunächst möglich, denn die Bewohner der Festung glauben Henry den Identitätsschwindel. Von da an ist Henry Selwin und ist es gleichzeitig nicht. Die umbenannte und erfundene Wirklichkeit ist die bessere Realität – eine Erkenntnis, die auch andere Bewohner der Festung zu nutzen wissen.

‚Ein Estrello, gell’, sagt Gerber einige Tage später am Mittagstisch zu Alfred Berner.
‚Estrello? Nie gehört’, erwidert der Pater. ‚Elefantenartig. Dickhaut mit Rüssel. Dabei
kleiner. Größe und Länge eines Nilpferds. Wenn gereizt, dann gefährlich’, klärt Gerber ihn auf, der die Existenz des tolalesischen Tiers spontan erfindet, wer soll es überprüfen? Man hört ihm zu.

Dreh- und Angelpunkt aller Handlung in Benesi ist jedoch die Einsicht, dass sich die Wirklichkeit nicht beliebig manipulieren lässt. Die Festungsbewohner kapitulieren vor dieser Einsicht, sie scheuen sich davor, ihre Vorstellungen umzusetzen. Handlung ist darum in „Schutzgebiet” vor allem Nichthandlung.

Unruhig wälzt sich Henry von einer Seite auf die andere. Das Essen hier in Benesi, das zwar aussieht wie das zu Hause, und von allen auch so genannt wird, Steak, Schnitzel, Bohnen, Rüben, in Wirklichkeit jedoch von Tieren und Gewächsen stammt, die nur entfernt mit denen in Europa oder den USA verwandt sind, dieses Essen – Henry mag sich nicht so recht daran gewöhnen, noch nicht. Es bläht.

Untätig und ichversunken warten die Bewohner Benesis auf die Ankunft deutscher Siedler, genauso, wie sie darauf warten, dass sich ihre Träume von selbst verwirklichen. Abgetrennt von der Außenwelt hat Weltpolitik für sie die Form und den Wert längst verjährter Zeitungen und scheint ihnen so wenig von Bedeutung wie alles, das bereits vergangen und weit entfernt ist. In der Festung Benesi fühlen sich die Ausgewanderten sicher vor den unliebsamen Einflüssen der Realität und geben dafür die Möglichkeit, an der Wirklichkeit teilzunehmen, auf. Die vollkommene Kontrolle der Wirklichkeit führt zum Stillstand, die Festung erweist sich als Zoo, ein Tierpark Hagenbeck, in dem die Besucher sich unversehens als Insassen wiederfinden, der Traum wird ein „Alptraumland”.

In seinem Kopf hatte das alles ganz anders ausgesehen. Eine bittere Erkenntnis reift in ihm. Es gibt nur zwei Möglichkeiten: Die Siedler sind tatsächlich angekommen. Triumph. Alles ein großes Missverständnis. Eine  afrikanische Operette. Die andere Möglichkeit: Die Siedler treffen nicht ein. Die Bewohner Benesis werden mit ihm, ihrem Verwalter und Herren, untergehen. Mit aller Kraft werden sie zunächst noch am Gelingen des Projekts weiterarbeiten, obwohl er selbst weiß, dass alles vergebens ist.

Der Wirklichkeit sind solche Überlegungen egal. Die Siedler erreichen Benesi und stampfen ohne Rücksicht auf die Pläne des Architekten Henry-Selwin eine Stadt aus dem Boden. Sie sind fast fertig, als in Benesi ein Brand und in Europa Krieg ausbricht. Der kommt bis nach Benesi, ganz egal, was man dort davon hält. Wie Castorp im Zauberberg tritt Henry in einen Kugelhagel, und

nur das Ende wird, mit einem Schlag und für jedermann beglückend einleuchtend, aus den lose zusammenhängenden Episoden etwas Zusammenhängendes formen. Etwas Sinnvolles.

Steinaecker leiht sich für „Schutzgebiet” mehr als nur Sinn und Schluss. Er montiert eine Erzählung aus Geschehenem und Fiktionalem, historischer Überlieferung und literarischen Querverweisen. Groß ist er dabei dort, wo er den Symbolgehalt, den fiktiven Charakter und die Absurdität der Realität herausstellt, wo er den eigentlichen Plot mit einer Geschichte der Gedanken unterwandert, statt in eine eindimensionale Beschreibung der Umstände abzudriften. Es gelingt Steinaecker über weite Strecken, seine ambitionierte Forderung nach einem gut lesbaren und zugleich vielschichtigen Roman einzulösen. Die Frage danach, was die Mentalität des Kolonialismus mit deutschem Fußball zu tun haben könnte, beantwortet Steinaecker allerdings nicht. Aber es ist fast egal: Seiner Erzählkunst tut es keinen Abbruch.

Thomas von Steinaecker: Schutzgebiet. Frankfurter Verlagsanstalt, Frankfurt/Main 2009, 381 Seiten, 19,90 Euro.

Elena hat Thomas von Steinaecker für goldmag portraitiert. Am 20. Oktober 2009 kann man Schutzgebiet kostenlos als eBook bei libreka.de herunterladen.

“Berlin ist die schönste, die bildungsreichste Stadt der Welt. Ich wäre abscheulich, wenn ich hiervon nicht felsenfest überzeugt wäre”, schreibt Robert Walser in Die kleine Berlinerin. Felix, der Protagonist in Florian Voß’ “Bitterstoffen”, hat solche naiv-ironische Berlin-Begeisterung irgendwie verpasst, ist irgendwie “abscheulich”. Seine Berlin-Bewunderung ist zerbröckelt, von seiner Berlin-Überzeugung kaum etwas übrig, noch nicht einmal Berlin-Hass will aufkommen. Stattdessen Indifferenz, Abhängen im volksbühnigen “Blauen Salon”, mal auf’ne Demo gehen, und dabei will Felix immer noch irgendwie Schriftsteller werden.

Felix ist ungefähr Mitte Dreissig, schon etliche Jahre in der Hauptstadt und fragt sich dann doch langsam mal, was er hier so lange gemacht hat und wo er eigentlich hingehört. Ein paar pathetische Gedichte geschrieben hat er, und gekellnert. ‘Heimat’ ist ihm die Stadt nicht geworden. Aber das merkt er reichlich spät, denn in der süddeutschen Provinz bzw. Heimatstadt, wohin er wegen eines Beerdigungstermins — eine Jugendfreundin ist gestorben — zurückkehren muss, hält er es, vor lauter Baggerseen und Resopaltischen, auch nicht mehr aus. Er trifft dort immerhin seine erste Freundin Julia, auf die er sogleich beginnt, seine lang vernachlässigten Sehnsüchte und Begehren zu projizieren: nach verlorenem Jugendglück, geografischer Geborgenheit, Identität usw. Mit anderen Worten: Felix verliebt sich erneut in seine Ex, die ihrerseits in Hamburg irgendwie verloren scheint. Die Ex aber hat auf Felix, zumindest dauerhaft, keinen Bock. Felix muss also schmachten, und seine melancholische Fixierung wird, so völlig ungebrochen in der ersten Person singular erzählt, dem Leser dann mitunter etwas peinlich. Der Autor greift jedoch zum Kunstgriff des Perspektivwechsels und schildert einige Passagen im Anschluss noch einmal aus Julias Sicht (inklusive dem schlechten Sex hinter einer Provinz-Disko). Dadurch steht Felix dann noch dümmer da.

Es ist also tatsächlich bitter, wie schonungslos der Protagonist bei seinen hilflosen Annäherungsversuchen entlarvt wird, hinter denen sich ein gescheiterter Lebensentwurf abzeichnet. Offensichtlich steckt er in einer handfesten Midlife Crisis. Und gerade das passt sehr zu Berlin und seinen vielen alt-neuen Bewohnern, die hier irgendwann mal sinnsuchend — oder so — hingezogenen sind. Früher, als man auf der Insel Westberlin noch keinen Wehrdienst leisten musste. Und heute, weil es, im Grunde genommen, immer noch genauso ist in der Hauptstadt, die nach wie vor die Utopie eines kreativen Sichdurchwurstelns verspricht. Voß skizziert trefflich dieses planvoll plan- und bindungslose Leben, dessen raschem Zuendegehen sich die meisten irgendwann panikartig bewusst werden. Darin erinnert Voß’ Prosa-Erstling an Sven Regeners (1989 angesiedelte) Kreuzberg-Episoden des Herr Lehmann. Und genauso wie Lehmanns Kreuzberg nicht typisch für den Rest der Republik ist, ist Voß’ Roman kein Generationen-, sondern eher ein auf nur 123 Seiten ziemlich dichtes Milieu-Portrait — und das durchaus treffende einer Großstadt.

Florian Voß: Bitterstoffe, Rotbuch Verlag, 128 S., 16.90 €

Giwi Margwelaschwili lässt in Der Kantakt Real- und Buchwelt erneut aufeinandertreffen. Eine kurze Leseaufforderung für einen langen Roman.

Wenn Autoren andere Autoren lesen und darüber schreiben, kann daraus ein Verkaufsschlager werden. Zum Beispiel Jochen Schmidts Schmidt liest Proust, mit dem Leute, die vor Proust kapituliert haben, die Chance erhalten, über ihn zu lachen. Oder es kann daraus ein gutes, humorvolles, vielleicht sogar weises Buch wie Der Kantakt von Giwi Margwelaschwili werden. Das liest dann leider keiner, weil es 800 Seiten hat und mehr Essay als Roman ist und der Verbrecher Verlag zu klein, um es so zu bewerben wie es das Buch verdient hätte.

Der Erzähler, vom Verlag als identisch mit dem Autor angekündigt, ist Stadtschreiber in Rheinsberg – und liest dort, es liegt nahe, Tucholskys Rheinsberg. Ein Bilderbuch für Verliebte. Wie schon in anderen Texten Margwelaschwilis wird die Welt im Buch zu einer Parallelwelt der realen Welt und vom Erzähler, der ihr Leser ist, betreten. Er versucht mit Clairchen und Wölfchen, Tucholskys Helden, in „Kantakt“ zu treten. Kantakt, weil das O im russischen wie A ausgesprochen wird und ein bisschen vielleicht, weil Immanuel Kant der Philosoph der Synthese ist. Dabei entstehen Worte wie „Kataperestroikastrophe“ oder „Verlesestofflichung“: die Übernahme eines Gegenstandes der realen Welt in die „Buchbezirkswelt“. Auch der Erzähler verlesestofflicht sich, Stück für Stück wird er selbst zu Figur der Buchbezirkswelt. Schließlich übergibt er Clairchen und Wölfchen das Bilderbuch, in dem sie selbst auftreten. Und wir lesen im Kantakt auch einiges Autobiographisches über den deutsch-georgischen Autor mit der Lebensgeschichte, über die fast mehr geschrieben wird als über seine Bücher. Herauskatapultiert aus der Verflechtung von Geschichte, Literatur und Politik wird man als Leser am Ende durch das beherzte Ziehen der Notbremse im Buchbezirksweltzug durch den Erzählerleser. Beherzt sollte man auch zu diesem Ziegelstein von Buch greifen. Es ist ein Griff, der sich lohnt.

Giwi Margwelaschwili: Der Kantakt. Verbrecher Verlag, Berlin 2009, 800 Seiten, 36 Euro.

Also gut, wir haben ein Lager in der Wüste, das einem UN-Camp nachempfunden ist, mit den dazugehörigen Beobachtern, Soldaten und Flüchtlingen. Und wir haben einen rechtspopulistischen Schweizer Politiker und eine linke Juristin, die sich zu seiner Wahlkampfleiterin machen lässt und damit einen Konflikt mit ihrem Freund heraufbeschwört. Aber macht das einen politischen Roman aus Daniel Goetschs Herz aus Sand? Erst einmal gibt es das Setting vor, in dem Goetsch seine Geschichte platziert. Der Erzähler dieser Geschichte ist Frank, einer der Beobachter in besagtem Camp, die darauf warten, dass ein Referendum durchgeführt werden kann. Phlegmatisch und bisweilen anstrengend selbstherrlich berichtet er vom Alltag in der Wüste, der für die Beobachter vor allem aus Nichtstun und Drogensucht besteht; gelegentlich vögeln sie eine der in der Wüste gestrandeten Rucksacktouristinnen, die sie „Leilas“ nennen, weil sie nicht Nutten sagen wollen. Wöchentlich haben sie einen Bericht zu schreiben und nach Genf zu schicken, wo „die Organisation“ sitzt, die sie auf die „Mission“ in die Wüste geschickt hat. Diese Organisation bleibt, wenn auch offensichtlich der UNO nachempfunden, namenlos und erinnert als Auftraggeber dieser immer sinnloser scheinenden Mission an eine Mischung aus Becketts abwesendem Godot und den anonymen Kontrollapparaten sämtlicher Dystopien: vom „Big Brother“ aus Orwells 1984 zum biblisch-patriarchalischen Staat „Gilead“ aus Margaret Atwoods Report der Magd.

Eine Art Subplot bilden die Erinnerungen Franks an Duncker. Der war Franks bester Freund und Nachbar in dem Wüstencamp und als Architekt in das Camp gekommen, um die perfekte Flüchtlingsstadt zu bauen, die ihren Bewohnern eine neue Heimat werden sollte. Der Roman beginnt mit seiner Beerdigung. Die Umstände von Dunckers Tod sind (und bleiben leider auch) unklar, interessieren aber ohnehin niemanden in der Wüste ernsthaft. Während Duncker als Idealist in die Wüste gekommen war und sich mit der Zeit zum sklaventreibenden Ideologen entwickelte, sind die Beobachter, die, wie sie sagen, kamen, um Flüchtlingen zu helfen, ihrerseits Flüchtige. Nur war es niemals ihr Leben, das in Gefahr war, sondern höchstens ihr gutes Gewissen. Über die Vergangenheit, so ein ungeschriebenes Gesetz in der Wüste, spricht man nicht. Für Frank sind es die gescheiterte Beziehung mit Alma, die eingangs erwähnte Wahlkampfleiterin, und seine unvollendete Dissertation, die ihn in das Lager gebracht haben.

In den ersten Kapiteln, die streng dem gleichen Aufbau folgen, werden die verschiedenen Handlungen ebenso streng durch Absätze von einander getrennt. Später verschwimmen sie mehr und mehr. Am Ende, man ahnt es fast, sind sie verschiedene Teile des Berichtes, den Frank an die Organisation schicken muss. Er sprengt dabei allerdings die Vorgaben für den Bericht, der eigentlich nur die politische Arbeit dokumentieren soll. Das Schreiben ist Franks Art, das Erlebte zu verarbeiten, das beständige Erinnern sein Versuch, zu vergessen:

„Noch aufreibender als Duncker ist nur Frank. Diese Datei ist mir ein Graus. Laufend muss ich sie überschreiben, immer wieder neue Fassungen abspeichern (…) Dreißig verschiedene Franks, dreißig Spielarten eines Frank, ein Kaleidoskop aus Franksplittern. Er hätte niemals Eingang in diesen Bericht finden dürfen. Schon vor Jahren habe ich mit ihm gebrochen, diesem jämmerlichen Versager. Obwohl ich gerade ihn nur allzu gern vergessen möchte, drängt er sich auf, überfällt mich mit der Heimtücke eines Virus. Na schön, ich sehe es ein, er lässt sich nicht verdrängen. Frank mein elender Wiedergänger.“

Herz aus Sand ist, wie es der Titel suggeriert, ein Liebesroman. Und doch ist es mehr. Frank promovierte, als er in die Wüste aufbrach, über den Begriff des Ausnahmezustands bei Carl Schmitt. Goetsch, Jurist wie sein Protagonist, führt auch den Leser in das Thema ein. Und dies ist die Stelle, an der der Roman politisch wird. Nicht, weil er seitenlang über den Ausnahmezustand bei Carl Schmitt referiert (er tut es nicht), sondern weil er eine literarische Verarbeitung von Giorgio Agambens Homo sacer ist. Der italienische Jurist und Philosoph nutzt ebenfalls Schmitts Ausnahmezustand, um seine Idee vom „nackten Leben“ darzustellen. Dieses Leben, „das nicht geopfert werden kann und dennoch getötet werden darf“ ist für Agamben der Ursprung alles Politischen. Das Lager bezeichnet Agamben als „biopolitisches Paradigma der Moderne“, seine Bewohner sind die „homines sacri“, denen nicht mehr als ihr nacktes Leben bleibt. Frank, der ebenfalls in einem Lager lebt, fühlt ebenfalls, ihm sei nur das „nackte Dasein“ geblieben. Diese Einschätzung ist, im Sinne des Homo sacer, völlig falsch. Denn die „homines sacri“, die Agamben meint, sind die im Lager internierten und nicht unabhängige Beobachter, die ihr eigenes Camp aufgeschlagen haben. Und doch ist sie symptomatisch für den egozentrischen Erzähler, der vor Selbstmitleid die Bigotterie nicht mehr erkennt, in der er sich eingerichtet hat.

Man kann das ein wenig platt finden, einfach einen Roman um diese Theorie zu spinnen. Man kann Herz aus Sand aber auch als Buch lesen, das Agambens Durcheinander und seinem Spaß am Widerspruch eine lesbare Form gibt. Als einen philosophisch-politischen Roman also, für den die Politik tatsächlich nur Setting ist.

Daniel Goetsch: Herz aus Sand. Bilgerverlag, Zürich 2009, 285 Seiten, 24,00 Euro