„Sie schläft ist Dietmar Daths bisher persönlichstes Werk“, schrieb der Rezensent. Das war gleich doppelt behämmert; einmal so für sich genommen als unsägliche Floskel und dann auch literaturdings, theoretisch. Es war schließlich auch nach der Revolution am Ende der Geschichte nicht de rigeur, die Person des Autors in die Werkbetrachtung mit einzubeziehen. Im Gegenteil, heute weniger denn je. Müde ironischer Realismus stand im Tausendjahresplan, immer von Bedeutung, nie von Konsequenz, razinkel, razunkel, razoing.

Aber da war der Dath ja immer ein unsicherer Kandidat gewesen. Hatte auf den letzten Metern der Geschichte noch rumgemöhrt von wegen Marxismus und Heavy Metal, und dann, als die neu vereinten Sozial-Liberal-Christbaumgrünen die Revolution über die Bühne gebracht hatten, war’s ihm auch wieder nicht recht gewesen. Hatte sich sang- und klanglos abgesetzt, in Alaska Militäreinrichtungen gekapert, sich genetisch zum Nasenbären aufpimpen lassen und zwischen Orgien in Israel und Kunstgemache im Kammerflimmer-Land auf irgendwie alles geschimpft.

Und jetzt das neue Buch: Überraschung, ganz anders. Der bekannte Dath-Sound, okay. Aber fast von Anfang an war es ein überaus komisches Buch, das sich z.B. über die weltweit geachteten Kultur- und Medienschaffenden des Deutschland sehr lustig machte, indem es beständig so tat, als könnten sie gar nicht richtig deutsch oder überhaupt irgendwie sprechen (denken? handeln?). Ein älterer Kollege hatte dem Rezensenten gesteckt, das sei von einem gewissen Eckhard Henscheid inspiriert; dessen Figur des „Kerzenhändlers Lattern“ spuke da „durch jeden geistverachtenden Wortschwall“, so der Kollege. Lustig wäre es aber auch so gewesen, ohne den Henscheid-Background, nichts Elitäres. Soweit also unbedenklich.

Nur, zweitens, und das wog schwerer, war dieser neue Dath auch eine waschechte Liebesgeschichte. Die Hauptfigur des kleinen Buches, ein Deutscher indischer Herkunft namens Ramji Iwein, arbeitete, von lauter Schwulen und Lesben umgeben, in einem hochalternativen Filmdings, Museum, Online-Irgendwas, das aus undurchsichtigen Gründen nie Geld hatte. Schon das schmeckte irgendwie konterrevolutionär, fand der Rezensent, Dath schien ungeheuerlicherweise andeuten zu wollen, dass diese Randexistenzen im weltoffenen Herzen des alten Europa nicht vollkommen willkommen wären. Aber es waren keine Skinheads oder ungenügend integrierte Zuwanderer, die sie verkloppten, sondern ganz normale Leute. Dass eine Kultureinrichtung kein Geld haben sollte, das war natürlich angesichts der Vollverstaatlichung der Kulturbetriebe durch die Größte Koalition aller Zeiten (GröKoZ) grotesk. Wieder mal eine dieser geistreichen dath’schen Schnurren, freute sich der Rezensent. Aber zurück zur Liebesgeschichte, der höchst bedenklichen.

Dieser Ramji Iwein verliebt, nein, verknallt sich, verfällt, vergeht fast vor einer Frau, und es ist wie Oper, nur noch schöner und schrecklicher. Das ganze Leben dieser beiden Menschen ist in Frage gestellt, es gibt Mann und Kind bei der Frau, es gibt gutes Herz bei Ramji, und doch können sie nicht voneinander lassen. Der Rezensent blätterte heimlich in den neusten „Empfehlungen für ordnungsgemäß mittelmäßiges Kulturschaffen“ der GröKoZ nach, ob so was in zeitgenössischen Büchern eigentlich erlaubt war. War es natürlich nicht. Einfach die Liebe als etwas schildern, was einem ungefragt ins Leben knallt, alles vollkommen ergreift, ungewiss macht und neu. Und wo man gar nicht weiß, wohin jetzt und was das soll und ob man sich von dem alten Partner trennen soll oder nicht oder ewiges Dreieck und ob man eifersüchtig sein soll. Man weiß nur: Es geht nicht ohne einander, man muss die Rede ergänzen und per Hautkontakt in große Geheimnisse vordringen, die die Sprache sprengen und als Seufzen und süßesten Unsinn zurück lassen.

Der Rezensent kratzte sich am Kopf. Unverständlich. Zumal sich die Frau dann auch noch als diejenige entpuppte, die die ganze Romanwelt träumte, inklusive sich selbst, denn wenn sie nicht vorkäme, würde sie ja nicht wirklich alles träumen. Klar. Logisch Dathman. Äußerst sehr gar nicht ging es dieses Mal um alles, worum es sonst bei Dath immer ging (Marx und die Welt, großes Ganzes an und für sich, Buffy), nur um Film ziemlich viel. Im Zusammenhang mit Frau/Liebe auch darum, warum und wofür man diese ganze Kunst eigentlich produziert. Auch darauf war die Antwort erwartbar unkorrekt, aus Liebe nämlich, so der Dath des Buches. Weil er aber schließlich der Dath war und blieb, le Dath, el Datho, ging es dann doch noch ansatzweise um Hirnforschung, Träumen, Bilder vs. Sprache, ein bisschen griechische und indische Mythologie, Kunst und Schaffensprozesse und die Natur der Realität, also ziemlich niedrig gehängt, vergleichsweise. Blieb auch mehr Zeit für die durch und durch verbotene Liebesgeschichte, was dem Buch, fand der Rezensent heimlich, schrieb es aber nicht, eigentlich auch ganz gut tat.

Irgendwie hatte er den Eindruck, dass es trotz oder wegen der Abwesenheit fast aller dath´scher Lieblingsthemen diesmal immer nur um Dath selbst ging. Der hatte in verschiedenen Kassibern über das Pheromonnetz verlauten lassen, er habe eine schwierige Zeit hinter sich gebracht, beruflich und privat, und der Rezensent spekulierte versonnen, ob jemand Tolles vielleicht die Kunstgaben des Dath nicht hatte annehmen wollen, dass der sich so wunderzarte und brachiale Liebestrouble aus dem Herz reißen musste. Nur schreiben durfte man das nicht, wussten die GröKoZ-Richtlinien, denn Autoren gab es ja gar nicht mehr, nur noch Texte. Zur großen Freude des Rezensenten hatte sich aber der Dath, Träumer der Träumerin, selbst ins Buch geschrieben, als DER Dietmar Dath, alberner Besserwisser und Feuilletonhecht, ewig nervender Marxologe und Lakai finsterer Mogule. Und damit war der strenge Textbezug ja wieder vollrohr gegeben, fand der Rezensent, und schrieb frohgemut-verzottelt, dies sei Daths bisher persönlichstes Werk.

Dietmar Dath: „Sie schläft“, Edition Phantasia 2009, 256 Seiten, 20,– Euro

Wie oft passiert das schon: Ein Buch wird zum Bestseller, 80 Jahre nach der Erstveröffentlichung. So geschehen mit Takiji Kobayashis Kanikōsen (dt.: Krabbenfischer). In der grassierenden Wirtschaftskrise des Jahres 2008 war Kobayashis Revolutions-Parabel plötzlich so gefragt wie nie. Mit ausgelöst hatte das späte Revival ein Artikel in der Mainichi Shimbun vom 9. Januar 2008, der Kobayashis Aktualität beschwor. Etliche Medien zogen nach, und so wurde ein regelrechter “Kanikōsen-Boom” ausgelöst. (Vgl. hier.) Bis Mitte 2008 musste die Shinchosha Publishing Company daraufhin unerhörte 50000 Exemplare der Krabbenfischer nachdrucken, um der Nachfrage gerecht zu werden.

Dieser Erfolgsgeschichte, die sich selbst liest wie eine kleine Revolution, trägt nun eine Neuverfilmung von Kanikōsen Rechnung. Nachdem der Roman erstmals 1953 verfilmt und 2006 eine Manga-Version publiziert wurde, stellte Regisseur Hiroyuki Tanaka, genannt Sabu, seine Version Anfang der Woche im “Forum” der diesjährigen Berlinale vor. (Ein kurzer Trailer findet sich hier.)

Die somit nun in Berlin angelangte Ereigniskette tangiert unmittelbar eine vor kurzem auf Gold aufgeworfene Frage: Ob in Zeiten der weltweiten Wirtschaftskrise und der stetigen Abnahme klassischer Arbeit wir nicht eine neue Arbeiterliteratur bräuchten, und wenn ja, wie diese aussehen und welche Formen diese annehmen könnte. In Japan scheint diese Frage bereits beantwortet: Ja! Wir brauchen, und wenn es keine neue Arbeiterliteratur gibt, nehmen wir die alte!

Takiji Kobayashi (1903-1933) gilt als Held der japanischen Arbeiterliteratur, Puroretaria bungaku. Seine Revolutionsgeschichte erzählt von einer Gruppe Arbeiter, die auf einem Krabbenkutter ausgebeutet und von ihrem Kapitän sadistisch misshandelt werden. In sowjetischen Gewässern (natürlich!) organisieren sich die Arbeiter und revoltieren — mit Erfolg. Später wird der Aufstand jedoch von Soldaten niedergeschlagen. Kobayashi ist der damals verbotenen Kommunistischen Partei Japans später selbst, allerdings erst nach Erscheinen der Krabbenfischer, 1931, beigetreten. 1933 wurde er von der Geheimpolizei Tokkō in eine Falle gelockt, gefoltert und ermordet.

Man kann nur hoffen, dass die bei uns nach wie vor vergriffenen Krabbenfischer (nur von Zeit zu Zeit für über 100 Euro bei Ebay zu haben) demnächst neu übersetzt und herausgegeben werden. Solange muss sich der des japanischen Originaltextes nicht mächtige Leser an die deutsche Online-Version halten, die Nemesis, ein sozialistisches Archiv für Belletristik, hier bereitstellt. Dort findet sich auch Kobayashis Erzählung Der 15. März 1928, in der Übersetzung eines deutsch-japanischen Kollektivs von 1931.

Foto: Takiji Kobayashi (1903-1933)

• Helene Hegeman im Interview bei Welt-Online
• „Strobo“-Verleger Frank Maleu im Interview bei Spreeblick

Beim Lesen sind mir zwei Sachen aufgefallen: Frank Maleu ist alles in allem  sehr entspannt und würde gerne „die Kirche im Dorf lassen“. Und Hegemann verzieht sich nicht reuig in die Ecke, sondern verteidigt recht selbstbewusst, warum ihre Art, mit anderer Leute Texten umzugehen, für sie selbstverständlich ist (von der fehlenden Quellenangabe einmal abgesehen):

Wenn da die komplette Zeit über reininterpretiert wird, dass das, was ich geschrieben habe, so ein Stellvertreterroman für die Nullerjahre ist, muss auch anerkannt werden, dass der Entstehungsprozess mit diesem Jahrzehnt und den Vorgehensweisen dieses Jahrzehnts zu tun hat, also mit der Ablösung von diesem ganzen Urheberrechtsexzess durch das Recht zum Kopieren und zur Transformation.

Sollten die beiden Parteien das Thema ohne Anwalt, Textschwärzungen und böse Worte regeln, wäre das ein auffälliger Kontrast zur laufenden Urheberrechtsdebatte, wo manche am liebsten die Verwendung jedes Halbsatzes mit einem Aktenzeichen versehen würden.

Die Frage an die mitunter erstaunlich diskussionsfreudigen Goldleser: Ist der Fall Hegemann/Airen ein Skandal – oder eher ganz normal?

Fröhliches Diskutieren!

Gut, im Falle der populärwissenschaftlichen Berlin University Press (“intelligent-leichte Wissenschaftsliteratur”) ist weniger verwunderlich, dass sie nun mit drei literarischen Titeln herauskommt. Verlags-Chef und ehemaliger Suhrkamp-Lektor Gottfried Honnefelder hat sich einer offenbar gewichtigen Martin Walser-Novelle versichert (Mein Jenseits), und dieser stellt er zwei ähnlich unaufgeregt klingende Debuts an die Seite: das der jungen Mirja Klein, namens Schonung, und das des bereits reiferen Norbert Holl, Titel: Normans Geheimnis.

diaphanes gibt dagegen bereits seit Herbst 2008 ein kleines literarisches Programm heraus, das bisher allerdings ausschließlich aus Übersetzungen bestand. Mit Angelika Meiers England hat der Kreuzberger Verlag, der sonst vor allem mit Ausgaben feingeistiger französischer Theoretiker von sich Reden macht, nun erstmals einen Titel einer deutschsprachigen Autorin im Programm. Dieses soll, wie die diaphanes-Seite ankündigt, “nach und nach zu einer weiteren tragenden Säule des Verlages werden”.

Foto: Curious Expeditions

Denn auch die Nachkommen von Diktatoren haben es nicht leicht. Ständig treten die in- und ausländischen Gutmenschen auf ihren Ahnen herum; wo sie hinkommen, verbreitet ihr Name Angst und Schrecken (Ausnahmen bestätigen die Regel: Alessandra Mussolini, die nicht nur den Namen, sondern auch die Politik ihres Großvaters weiterführt, ist sogar ins EU-Parlament gewählt worden); und nicht selten wird er sogar zum Synonym für ein Regime von Mord und Verfolgung. Von letzterem hatte der geschäftstüchtige Sohn des rumänischen Diktators Nicolae Ceauşescu die Nase so voll, dass er jetzt seinen Anwalt wegen des Stückes Die letzten Tage der Ceauşescus von Milo Rau (Verbrecher Verlag 2009) eingeschaltet hat.

Das Schweizer Fernsehen meldete heute, am Dienstag, den 2. Februar 2010 um 17:22 Uhr:

„Die Erben des 1989 gestürzten und hingerichteten Diktators Nicolae Ceauşescu haben das Bukarester Odeon-Theater wegen der Aufführung des Doku-Dramas Die letzten Tage der Ceauşescus verklagt.“

Valentin, der Sohn Nicolae Ceauşescus, und sein Schwager verlangen eine Entschädigung vom Theater, weil es den Begriff „Ceauşescu“ unrechtmäßig verwendet habe. Den haben die beiden nämlich schon vor Jahren in Rumänien als Marke schützen lassen.

Die anderen Kinder, die von ihren Eltern – wenn überhaupt – nur den Vornamen eines Diktators bekommen haben, sind empört: „Dies ist der Beweis, dass Unverschämtheit kein Verfallsdatum hat“, sagte der Vorsitzende des rumänischen Schriftstellerverbandes, Nicolae Manolescu. Schließlich ginge es im Stück um den Diktator Ceauşescu und nicht um die Marke gleichen Namens. Ceauşescu (Diktator) sei wie „Ludwig XIV. eine historische Figur“ und man könne ihn deshalb uneingeschränkt zum Thema von Theaterstücke und Filmen machen, findet der deutsch-rumänische Filmregisseur Radu Gabrea.

Valentins Anwalt ließ wissen, dass gegen ausländische Theater keine rechtlichen Schritte geplant seien. In der Schweiz, wo das Stück zur Zeit in mehreren Theatern aufgeführt wird, hört man das sicher mit Erleichterung. Wenigstens der Anwalt lässt sie in Ruhe.

Bild: Fototeca online a comunismului românesc, Foto #E594,

Aber es geht nicht um die FAZ, sondern um J.D. Salinger. Um den Autor, der mit Der Fänger im Roggen (engl. The Catcher in the Rye) den Prototyp des Adoleszenzromans geschrieben hat und dessen Buch seit den Fünfziger Jahren fast überall auf der Welt in den Regalen von Teenagern steht. Gestern ist er mit 91 Jahren gestorben.

Ihn hat die Welt von Twitter und YouTube erreicht, wie es die Popkultur schon länger tat. Die Liste der Filme und Songs, die auf das Buch anspielen ist lang, hierzulande haben sich 2008 zuletzt die Berliner Elektroniker Bodi Bill mit ihrem Song „I Like Holden Caulfield“ zu ihm bekannt. Auch Mark David Chapman, der 1980 John Lennon erschoss, berief sich auf das Buch. Er unterschrieb sogar mit dem Namen des Erzählers aus Salingers Roman. 2010 erweist ihm die Blogosphäre virtuell die letzte Ehre und Urban Outfitters verkauft  angeblich schon T-Shirts mit dem Design der Erstausgabe von The Catcher in the Rye.

Nach dem Erfolg vom Fänger im Roggen, dessen deutsche Erstausgabe von Heinrich Böll übersetzt wurde und noch auf einer zensierten Ausgabe beruhte, in der das Wort „fuck“ gestrichen worden war, obwohl es nur ein einziges Mal vorkommt und bei Holden den gleichen Ekel hervorruft, den man bei den Zensoren vermutet, floh Salinger bald vor der neu gewonnen Aufmerksamkeit aus New York in die Einöde von New Hampshire. Ganz verwirklichte er den Traum seines Erzählers Holden nicht, sich „irgendwo eine kleine Blockhütte“ zu bauen und „keine verdammten, nutzlosen, blöden Gespräche mit irgend jemand” führen zu müssen. Sein gelegentlich als neurotisch beschriebenes Bedürfnis nach Privatsphäre wurde dort immer wieder durch Gerichtsprozesse gestört, die Salinger selbst anstrengte, um Veröffentlichungen von Biographien, Verfilmungen seiner Bücher und eine angebliche Fortsetzung vom Fänger im Roggen zu verhindern. Je mehr er sich versteckte, desto größer wurde die Neugierde von Journalisten und Lesern und Salinger konnte es nicht verhindern, 1961 auf dem Titelbild des Time Magazins zu landen. Bücher von verflossenen Geliebten und seiner Tochter, die erkennbar von der Bekanntschaft ihrer Autorinnen mit Salinger profitieren, heizten Gerüchte um Macken und Marotten des Schriftstellers weiter an.

Viele Bücher publizierte Salinger von New Hampshire aus nicht mehr. Auf den Fänger im Roggen folgten 1953 die Neun Erzählungen, die von manchen Kritikern noch höher gelobt wurden als Salingers Debüt, Franny und Zooey, die Saga der Famlie Glass, erschien 1961. Salingers letzte Veröffentlichungen waren Hebt den Dachbalken hoch, Zimmerleute und Seymour wird vorgestellt (1963) und Hapworth 16, 1924 (1965). Aufgehört zu schreiben hat er aber nie, wie in einem seiner seltenen Interviews der New York Times verriet:

“Darin, nicht zu veröffentlichen, liegt ein wunderbarer Friede. Es ist friedlich. Veröffentlichen ist eine fürchterliche Verletzung meiner Privatsphäre. Ich mag das Schreiben. Ich liebe das Schreiben. Aber ich schreibe nur für mich selbst und zu meinem eigenen Vergnügen.”

Salinger bekommt kein öffentliches Begräbnis und keinen Trauergottesdienst. Und wer wie der Autor dieser Zeilen das Lesen erst so richtig mit einer Penguinausgabe von The Catcher in the Rye begann, erinnert sich an die Worte Holden Caulfields: “Who wants flowers when you’re dead? Nobody.”

Foto: andthenpatterns

Katrin Marie Mertens Gedichte soll man laut lesen. Die je sechs bis acht Zeilen in ihrem Debütband »Salinenland«, mehr sind es meist nicht, stehen auf dem Papier wie die Meldungen unter »Vermischtes« in einer Lokalzeitung, jene lakonischen Marginalien, die Neuigkeiten zusammenfassen, denen nicht zugetraut wurde, genug für eine ganze Spalte herzugeben. Es gibt keine Titel, stattdessen sind nur einzelne Satzteile in Kapitälchen hervorgehoben; sie dienen bloß zur Orientierung und Identifizierung im Inhaltsverzeichnis. Man muss sie laut lesen, damit sich einem ihr Rhythmus erschließt, der wichtiger ist als das Marginale ihres Inhalts. Die Musikalität, die in diesen wenigen Zeilen liegt, ist bemerkenswert, und zweifellos steckt viel Arbeit in ihnen, die darauf aus gewesen sein muss, immer weiter zu reduzieren, immer mehr von dem abzuschaben, was vielleicht aus der Meldung eine Story und aus den wenigen Zeilen die vollen fünf Spalten der Seite drei gemacht hätte.

Im Zimmer streun wir den Zimt aus
und warten.
So saßen wir abends und aßen das Dörrobst,
Müttern zündeten Kerzen an, brühten den Tee.
So sitzen wir abends an Tischen vor Tassen
und lauschen, denn immer weiß einer die alten
Geschichten, wir lauschen dem Knistern
und streichen einander die Häute so glatt.

Merten beherrscht Metrik und Rhythmus, lässt sich von ihnen aber nie ganz ihr Schreiben vorschreiben. Sie spielt mit den Erwartungen an das Versmaß, lässt eine Folge von locker traben Amphibrachen abrupt ins Straucheln kommen, vermeidet geglückte Reime zugunsten von verfehlten und bringt so eine eigentümliche Form der Abschweifung zustande, in der Syntax und Semantik sich voneinander verabschieden: Während der Takt der Sprache in eine Richtung fortläuft, erkundet der Inhalt des Textes seinen Gegenstand in einer anderen Geschwindigkeit. Wo dieses Verfahren gelingt, ist es erstaunlich, verwirrend und auf eine unaufdringliche Weise großartig.

»Takt« heißt auch der dritte Teil des Bandes, aber dieses Bewusstsein der eigenen Fähigkeiten steht nicht im Mittelpunkt, so wie der Titel den Gegenstand der Zyklen nur andeutet und nicht vorschreibt. Die anderen vier Teile des Bandes heißen »Stadt«, »Schlaf«, »Raum« und »Wach«; diese Übertitel sind nicht zwingend, und so wie der letzte als Adjektiv aus der Reihung von Substantiven ausbricht, so könnten die Gedichte jedes Teiles gut in andere einbrechen.

»Oder sei Katze, / die schleicht und sich leicht schmiegt, gleich / sträubt, schreite aufrecht und auf / deinen eigenen Linien, komm und geh / lautlos, verrate dich nicht.«

Was nicht heißen soll, dass egal sei, wovon die Texte handeln. Denn es geht genau um solche auseinanderstrebenden Bewegungen wie die von Inhalt und Form, es geht um Wahrnehmungsfallen, das Problem festzustellen, wo Objekte im Raum beginnen und die eigene Haut endet, um Hoffnungen auf »greifbare Stoffe« und »dass sich etwas fügt und sich festsetzt, / wie unter den Nägeln die Reste vom Tag«. Das titelgebende »Salinenland« ist eine bezeichnende Metapher für diesen Ort voller flackernder Eindrücke und schwer feststellbarer Dinge: In einer Saline wird Salz gewonnen, durch verdunsten oder verkochen von Sole; sie ist bereits ein Übergang, nicht mehr nur Salzwasser und noch nicht Salzkristall, ein reines Zwischenstadium: »Etwas bleibt offen am Ende«.

»Leise, du kennst / doch die Nachbarn und langsam, du weißt um das Schallen / in allen Etagen beim schnellen Betreten der Stufen«

Mertens Texte haben etwas Klassisches in ihrer Zurückhaltung, ihrer reinen Verdichtung und dem Verzicht auf jene alten Spielereien, mit der die Vertreter der »Lyrik von jetzt« sich voneinander abzuheben versuchen. Schön daran ist, dass das Ergebnis nicht konservativ sein muss – sondern einfach gekonnt. Merten verzichtet auf jeglichen revolutionären Gestus, eben, weil sie es sich leisten kann. Ihre taktvollen Marginalien sind ein überaus gelungenes Debüt.

(Ein Wort noch zur Ausgabe: Der Band erscheint in der Lyrikedition 2000, die von Heinz Ludwig Arnold gegründet wurde und schon über 150 Titel zu verzeichnet hat. Besonders ist an dieser Reihe aber nicht allein die Auswahl der Autorinnen und Autoren, sondern auch das Erscheinungsmodell: Alle Ausgaben werden im Digitaldruckverfahren erstellt und auf Bestellung produziert – keine Ausgabe wird je vergriffen sein. Vielleicht ist das ein Modell, das zwischen den finanziellen Nöten der Kleinverlage und der technischen Unzulänglichkeit von eBooks vermitteln könnte.)
Beitrag über die Lyrikedition 2000 im Deutschlandfunk

Katrin Marie Merten: Salinenland. Gedichte, Lyrikedition 2000, München 2009, 80 S., 8,50 Euro.

Ich beginne vielleicht mit den drei deutsch-türkischen Schulmädchen, die neben mir saßen und ganz aufgeregt waren. Sie seien extra aus Tegel und Spandau angereist, erklärte eine von ihnen, und ganz entsetzt über den hier oben auf der Empore (wohl von den protestierenden Studenten) zurückgelassenen Müll. Sie habe auch schon etwas von Pamuk gelesen, aber auf Deutsch, sagte sie, weil sie das besser spreche als Türkisch. Alle drei kreischten beinahe auf, als Orhan Pamuk den Saal betrat, und tatsächlich gab es so einen kurzen Star-Moment, während dem sich die Fotografen und Kameraleute dicht um ihn drängten. Da wurde man schon ein wenig angesteckt von der Euphorie. Leider hatten die Mädchen nicht damit gerechnet, dass Pamuk auf Englisch vortragen würde, weshalb sie dann auch früher gingen. Das war schon etwas tragisch, da Pamuk anschließend, also nach seinem Vortrag mit dem Titel “What happens to us as we read novels?”, dann tatsächlich noch einige Seiten aus seinem jüngsten Buch Das Museum der Unschuld auf Türkisch vorgelesen hätte.

Nach einer Reihe von obligatorischen Vorreden (HU-Präsident Christoph Markschies, einer Gesandten Rätin der us-amerikanischen Botschaft sowie Mosse-Lecture-Mitorganisator Joseph Vogl) fasste sich Andreas Huyssen (Columbia University, links oben im Bild) mit seiner Einleitung recht kurz und verwies, neben ein paar persönlichen Bemerkungen darauf, dass man über den Nobelpreisträger auch alles im Internet fände. (Was natürlich stimmt.) Pamuks Vortrag handelte dann, wie gesagt, weniger von “Ortschaften” wie Istanbul oder New York (wo er das Museum der Unschuld zuende geschrieben hat), auf die man sicherlich gespannt gewesen wäre, sondern kreiste um eine Art Phänomenologie des Lesens, wobei die Aussagen, die Pamuk über das Lesen machte, zugleich poetologisch als die eines Autors über sein Schreiben zu verstehen waren.

Um es kurz zusammenzufassen: Es ging um so konservative Anschauungen wie die vom Zusammenhang von Romane-Lesen und Träumen, das Übersetzen von Wörtern in Bilder, das Buch als Landschaftsbild, in das man eintreten könne, die Bedeutung des Bildungsromans und die Unterschiede des “naiven” und des “reflektierten” Lesens (mit dem Pendant des “naiven” und “reflektierten” Schreibens), die Pamuk sich aus Schillers Abhandlung Über naive und sentimentalische Dichtung lieh. Die Folgerung lautete, dass der Romancier, also er, Pamuk, beides können müsse, die naive wie die reflektierende Herangehensweise, weil er wolle, dass auch ungebildete Leser seine Bücher verstehen. Dass jeder gute Roman ein geheimes Zentrum (“secret center”) habe. Und dass Tolstois Anna Karenina das beste Buch auf Erden sei. Diese Einfachheit und Schlichtheit (am Ende zählte er unter der Überschrift “reading a novel means…” genau acht Punkte auf) war wohl das Gewinnende an Pamuks Vortrag; weshalb auch das “konservativ” oben gar nicht negativ gemeint sein sollte. Gerade weil Pamuk von Dingen sprach, bei denen man in den meisten germanistischen Proseminaren wohl müde abgwunken hätte, diese dann aber doch klar und überzeugt-überzeugend anbrachte, dass man sich — für einen Moment — zurücklehnen konnte und sagen: “Ah ja, so ist es.”

Weitere Fotos und einen Veranstaltungsbericht auf Türkisch gibt es hier.

Foto: N.P.

2048. Die halbe Erde ist wegen Klimakatastrophe überflutet, und das Wasser steigt weiter. John und seine Stiefsöhne Jack und Thomas verdienen ihr Geld damit, Artefakte aus versunkenen Städten zu bergen. In den Ruinen von Los Angeles findet Jack beim Tauchen ein wichtiges Buch, in dem etwas zur Rettung der Welt steht, und wird dabei fast von einem Mutantenhai gefressen.

Das Buch offenbart, dass ein Szepter zur Rettung der Welt im versunkenen Teil des Vatikans versteckt sein soll. John und Jack steigen mit dem Segen des Kardinals Michael Mendl in die fraglichen Ruinen ein. Dort entschlüssen sie lateinische Inschriften, verbrennen zuerst beinahe und ertrinken dann fast. Am Ende können sie die gesuchte Kiste glücklich bergen. Dabei werden sie von einem geheimnisvollen Dunkelmann durch eine Kamera beobachtet.

Zurück in Neu-Rom stellt sich heraus, dass das Szepter nicht in der Kiste war, stattdessen aber ein Hinweis, der ins halb untergegangene Dresden führt. Beim Feierabend-Bier stellt sich eine resolute und barbusige Kellnerin vor. Sie hat schon den Angriff eines Mutanten-Kraken überlebt und will anheuern. Jedoch löst sie zunächst nur eine Prügelei zwischen den Barbesuchern und den Abenteurern aus.

An einem anderen Ort wird Jacks Exfreundin Johanna Bäcker, ebenfalls Abenteurerin und Wissenschaftlerin und auf der Suche nach einer Lösung für das Wasserproblem, von dem zwielichtigen Immobiliengiganten Nikolas Filimonov angeheuert, um das gleiche Artefakt zu finden.

In Dresden bergen John und Jack aus dem Grab des Tempelritters Mercadier eine Pergamentrolle, die ihnen aber von Johanna und ihren bewaffneten Kollegen abgeluchst wird. John wirft kurzentschlossen eine Schockgranate nach den Dieben. Dadurch kann er das Pergament retten, wird jedoch selbst von einer Steinplatte erschlagen. Jack übernimmt die wertvolle Beute und kann in einer spannenden Verfolgungsjagd mit einem Motorboot entkommen.

Die Brüder bringen das Pergament zum Kardinal. Von dem erfahren sie, dass das Szepter schon im Alten Testament vorkommt und Moses damit das Meer geteilt hat. Sie erfahren außerdem, dass Filiminov das Szepter haben will, um die Erde ganz zu überfluten, damit die Menschen gezwungen sind, sich auf seinen schwimmenden Wohninseln einzuquartieren. Auf dem Pergament steht, dass das Szepter im Grab von Richard Löwenherz ist.

Die Brüder engagieren daraufhin doch noch die Kellnerin als Maschinistin. Sie kann ihnen in einem spannenden Kampf mit ihrem Ex-Arbeitgeber, der mit solchen Sachen dealt, und der ihr als Gegenleistung an die Wäsche will, was sie aber verhindern kann, ein nötiges Ersatzteil für ihr Boot besorgen.

Die Filiminov-Leute sind schneller am richtigen Ort. Sie finden das Szepter und versenken danach Johanna in Richards Sarkophag. Jack kann sie jedoch retten, weil er zufällig gerade am Tauchen ist, wo seine Exfreundin ihr kaltes Grab finden soll. Zusammen entern die beiden Filiminovs Boot und versuchen, ihm das Szepter wieder abzujagen. Es gelingt ihnen und das Boot versinkt nach einigen actionreichen Ereignissen mitsamt dem Besitzer im Meer.

Jack und Johanna verlieben sich währenddessen neu ineinander, und auch zwischen Thomas und der Kellnerin funkt es. Das neu gebildete Vierer-Team begibt sich, nachdem sie sich ein vielsagendes Hologramm, das aus dem Szepter herausgekommen ist, angesehen haben, und aufgrund kluger Überlegungen von Johanna zu einem elektromagnetischen Konvergenzpunkt bei St. Etienne. Dort öffnet sich ihnen, mit dem Szepter als Schlüssel, eine gigantische unterirdische Vorrichtung. Verfolgt werden sie jedoch von einem fanatischen Priester, der eine neue Sintflut einleiten will.

Dieser wahnsinnige Apokalyptiker verhindert den glücklichen Ausgang der Geschichte beinahe. Aber Jack besiegt ihn in einem spannenden Kampf Mann gegen Mann und kann mit dem Szepter die Maschine aktivieren. Sie öffnet, in einer großen Gasexplosion, die alle vier Helden überleben, ein sehr großes Loch im Boden, in das das überschüssige Wasser hinein fließen kann. Damit ist die Welt gerettet, worüber sich alle bei einem Glas Champagner freuen.